[Este artículo forma parte de la obra The Beatles: It’s all too much – Una enciclopedia por entregas: disco a disco, tema a tema. Puedes acceder a la introducción, que contiene además el índice completo, pinchando aquí.]

[Continuación de la parte 1, de la parte 2, de la parte 3 y de la parte 4 y de la parte 5 de Abbey Road (LP)]

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Cara A:
COME TOGETHER (Lennon-McCartney)
SOMETHING (Harrison)
MAXWELL’S SILVER HAMMER (Lennon-McCartney)
OH! DARLING (Lennon-McCartney)
OCTOPUS’S GARDEN (Starkey)
I WANT YOU (SHE’S SO HEAVY) (Lennon-McCartney)

Cara B:
HERE COMES THE SUN (Harrison)
BECAUSE (Lennon-McCartney)
YOU NEVER GIVE ME YOUR MONEY (Lennon-McCartney)
SUN KING (Lennon-McCartney)
MEAN MR. MUSTARD (Lennon-McCartney)
POLYTHENE PAM (Lennon-McCartney)
SHE CAME IN THROUGH THE BATHROOM WINDOW (Lennon-McCartney)
GOLDEN SLUMBERS (Lennon-McCartney)
CARRY THAT WEIGHT (Lennon-McCartney)
THE END (Lennon-McCartney)

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Lista de reproducción completa del álbum Abbey Road

Golden slumbers (Lennon-McCartney) 1’32”

• Versión 1 de 4 de Golden slumbers
  • Variación 1 de 9: primera edición del disco en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4
  • Variación 2 de 9: primera edición del disco en cinta abierta mono
  • Variación 3 de 9: reediciones 5-11
  • Variación 4 de 9: reediciones 12-17
  • Variación 5 de 9: reediciones 18-20
  • Variación 6 de 9: reediciones 21-24

Grabación: 2, 3, 4, 30 y 31 de julio y 15 de agosto de 1969 (EMI Studios)
Productor: George Martin
Ingenieros de sonido: Phil McDonald y Geoff Emerick

GEORGE HARRISON: Bajo de seis cuerdas
PAUL MCCARTNEY: Piano y voz solista
RINGO STARR: Batería

DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Contrabajo
¿RICHARD NAIRN?: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trombón
DESCONOCIDA/O: Trombón bajo

GOLDEN SLUMBERS (Lennon/McCartney)

Once, there was a way to get back homeward.
Once, there was a way to get back home.
Sleep, pretty darling, do not cry,
and I will sing a lullaby.
Golden slumbers fill your eyes.
Smiles awake you when you rise;
sleep, pretty darling, do not cry,
and I will sing a lullaby.
Once, there was a way to get back homeward.
Once, there was a way to get back home.
Sleep, pretty darling, do not cry,
and I will sing a lullaby.

SUEÑOS DORADOS (Lennon/McCartney)

Hubo un tiempo en el que había un camino para volver de regreso al hogar.
Hubo un tiempo en el que había un camino para volver a casa.
Duerme, preciosa amada, no llores,
y yo cantaré una nana.
Cubren tus ojos sueños dorados.
Cuando te levantas, te despiertan sonrisas;
duerme, preciosa amada, no llores,
y yo cantaré una nana.
Hubo un tiempo en el que había un camino para volver de regreso al hogar.
Hubo un tiempo en el que había un camino para volver a casa.
Duerme, preciosa amada, no llores,
y yo cantaré una nana.

Un hermosísima balada en forma de canción de cuna que abre un ciclo de tres temas compuestos por McCartney. Muchos consideran esta trilogía, con buen criterio, como uno de los momentos cumbre de la discografía de The Beatles. Paul compuso la canción al piano en casa de su padre delante de una partitura que era incapaz de leer y que contenía un texto proveniente de un poema inglés de finales del siglo XVI.

Composición

«Y luego se ralentiza un poco cuando llega Golden slumbers, que es una agradable y densa canción de cuna. Ya sabes, si pudieras dormir con ella, sería un milagro. Y luego Carry that weight es como dos partes unidas, dos partes muy diferentes. Y todos cantamos “boy, you’re gonna carry that weight” al unísono, y entonces esas partes entran» (Ringo Starr, 1969).

Golden slumbers, otra composición de Paul, es la primera de las tres que, excepción hecha de la pista oculta Her Majesty, cierran esplendorosamente un magnífico álbum, Abbey Road.

«Para mí, el final del álbum Abbey Road es uno de los mejores ejemplos de cómo la música rock puede funcionar bien en el contexto de un formato clásico. Siempre me ha encantado la pieza» (George Martin, 1998).

La carencia más acusada en la formación musical de McCartney, su incapacidad para leer partituras, se convirtió en un regalo para el mundo entero cuando Paul se enfrentó a un problema que le impulsó a escribir Golden slumbers. El beatle tenía una pequeña hermanastra de nueve años llamada Ruth. Era hija de Angela Williams, la segunda esposa de su padre, y había sido adoptada legalmente por James McCartney. Visitando un día Rembrandt, la casa de su progenitor en Heswall, cerca de Liverpool, Paul se encontró en el piano de Ruth con una partitura que contenía un himno cuyo texto era un poema de Thomas Dekker (Cradle song), un autor dramático inglés de los siglos XVI y XVII (c. 1572-1632). El bajista, incapaz de desentrañar las notas de la partitura, improvisó una melodía propia. Así nació Golden slumbers, una canción que prácticamente calca en su letra la primera estrofa del antiguo poema de Dekker. Había aparecido en el acto IV, escena II de una obra de teatro de 1599, impresa por primera vez en 1603, que el autor había firmado con la colaboración de Henry Chettle y William Haughton, The pleasant comodie of patient Grissill. Rezaba así:

Golden slumbers kiss your eyes,
Smiles awake you when you rise;
Sleep, pretty wantons, do not cry,
And I will sing a lullaby,
Rock them, rock them, lullaby.

Care is heavy, therefore sleep you,
You are care, and care must keep you;
Sleep, pretty wantons, do not cry,
And I will sing a lullaby,
Rock them, rock them, lullaby.

«Estaba en casa de mi padre, en Cheshire, tonteando con el piano, y me topé con la canción clásica Golden slumbers en un cancionero de Ruth. Y pensé que sería bonito escribir mis propios “sueños dorados”» (Paul McCartney).

«(…) como no sabía leer música, no fui capaz de leer la melodía. Así que tomé la letra y escribí mi propia música. En aquel momento no sabía que tenía una antigüedad de cuatrocientos años» (Paul McCartney, 1997).

«Ese es Paul, al parecer a partir de un poema que encontró en un libro, algún libro del siglo XVIII del que solo cambió algunas palabras aquí y allá» (John Lennon, 1980).

Efectivamente, los cambios que introdujo Paul fueron mínimos, aunque únicamente utilizó los cuatro primeros versos del poema de Dekker: McCartney no se dirige a unos preciosos diablillos (“pretty wantons”) sino, en singular, a alguien muy querido, probablemente una mujer (“pretty darling”), y los sueños dorados no besan los ojos de la amada (“kiss”) sino que los cubren (“fill”).

La más famosa versión del poema transformado en canción, y muy probablemente la que Paul se encontró en forma de partitura en el piano de su hermanastra Ruth, es la del compositor estadounidense W.J. Henderson, que la publicó en 1885 en el contexto de una colección colectiva de ciento doce canciones titulada St. Nicholas songs (The Century Co., Nueva York). La creación de Henderson, titulada Golden slumbers kiss your eyes, aparecía en las páginas 177 a 179. El nombre completo del compositor era Williams James Henderson y se dedicaba sobre todo a la crítica musical. También fue profesor universitario de historia de la música en Nueva York.

Henderson no fue el único que se adelantó a McCartney en ponerle música al poema de Thomas Dekker. Le había precedido en 1882 el angloirlandés Charles Villiers Stanford, utilizando también el título Golden slumbers kiss your eyes. Le siguieron más tarde, en 1913, el italiano Alfredo Casella, que adaptó el poema en su obra vocal Rêves d’or pour ton sommeil, con texto en francés de Michel Dimitri Calvocoressi; y, en 1918, Peter Warlock (pseudónimo del compositor británico Philip Arnold Heseltine), que tituló su obra Sweet content.

McCartney presentó públicamente Golden slumbers en las primeras horas de trabajo del 9 de enero de 1969, durante los días en los que The Beatles ensayaban para su proyecto Get back en los Twickenham Film Studios, sentado al piano (aunque de hecho ya la había tocado de forma casual el día 7, con una letra en la que cantaba alternativamente “once there was a way to travel homeward”). Le escuchaban Starr y el roadie Mal Evans, mientras esperaban la llegada de George y John. La única sección completa era la del estribillo, la que bebía directamente del poema de Dekker, aunque el bajista ya había empezado a esbozar musicalmente la sección que oficiaría como estrofa. Escuchamos el primero de sus versos (“once, there was a way…”), aunque Paul afirmó que se imaginaba la canción como un cuento de hadas e improvisó una rima distinta: “Once upon a time, there lived a king” (“Érase una vez que vivía un rey”). McCartney entonó a continuación el verso “and I will sing a lullaby” con la melodía de la composición de W.J. Henderson, lo que demuestra que había hecho sus deberes pero solo después de crear su propia música. A la vez que George Harrison se hacía presente en el estudio, Paul bromeó en torno al sonido de la pieza y la comparó con una canción de Frank Sinatra: “Should be ready for a Songs for swingin’ lovers! album soon” (“Debería estar lista pronto para un álbum tipo Songs for swingin’ lovers!”). En un inesperado giro de los acontecimientos, y mientras continuaba tocando al piano la melodía de Golden slumbers, McCartney anunció que había empezado a escribir una canción para Starr y entonó, sin solución de continuidad, el estribillo de Carry that weight. Esta segunda pieza nunca llegó a contar con más desarrollo (aunque en aquel momento estaba adornada con un esbozo de estrofa que desapareció en la versión de estudio), pero acabó indeleblemente unida a Golden slumbers de por vida. Quizá Paul hizo la conexión entre ambas composiciones en aquel mismo instante.

Golden slumbers sí se desarrolló algo más: McCartney añadió al estribillo una estrofa que se escucha antes y después del mismo y que contiene dos inspirados versos originales, aunque el tercero y el cuarto recuperan una vez más el texto de Thomas Dekker:

«Me gustó mucho la letra. Me pareció muy relajante, una nana muy bonita, así que me las quedé, y encajaba con otro trozo de canción que yo tenía» (Paul McCartney, 1969).

Los dos versos que abren la canción, y que son los únicos que contienen un aporte literario genuino de McCartney, abordan un tema que estaba particularmente presente en la mente del músico en varias de sus creaciones de la época: el de los caminos que conducen de vuelta al hogar, ya sea propio (Two of us) o ajeno (Get back, The long and winding road), o que te conceden la posibilidad de huir (You never give me your money). Paul se debatía en estos tiempos de incertidumbre personal entre buscar refugio o, simplemente, escapar. Quizá Golden slumbers sea la canción más melancólica del lote: el hecho de que hubiera “un tiempo en el que había un camino para volver a casa” (¿la infancia, la edad de la inocencia?) significa, necesariamente, que ese camino ya no existe. McCartney nos ahorra el desconsuelo con palabras de aliento (“duerme, preciosa amada, no llores, y yo cantaré una nana”), pero dibuja tiempos recios.

«Es muy posible que me hubiera estando sintiendo deprimido en Londres. Estaba de vuelta en el solaz de la familia y en Liverpool, y con los problemas de The Beatles abajo en el sur, probablemente pensaba: “¿No sería agradable volver al hogar y tener esa sensación reconfortante otra vez?”. Así que en el fondo puede que hubiera algo de eso. Yo no lo descartaría.
»Cuando escribí la canción, hacía mucho tiempo que no volvía a Liverpool. Pero ahora estaba en casa de mi padre, que no era del todo mi hogar porque era una casa que le había comprado cuando conseguí algo de dinero, una casa de cinco habitaciones de imitación del estilo Tudor en Heswall, cerca del río Dee. Pero seguía siendo Liverpool, y era un “regreso al hogar”. Así que añadí: “Hubo un tiempo en el que había un camino para volver de regreso al hogar./Hubo un tiempo en el que había un camino para volver a casa”. La canción terminó siendo muy conmovedora, y creo que eso es lo que me atrajo de ese texto desde el principio; esa idea de consolar a un bebé o de leer un cuento a los niños antes de dormir» (Paul McCartney, 2021).

Aunque Paul ya jugueteaba con la melodía de la estrofa aquel 9 de enero de 1969, su adición debió ser una decisión tardía: se conserva un manuscrito de McCartney volcado en un papel membretado de Apple en el que aparece la letra combinada de Golden slumbers y Carry that weight y todo el texto está ya consolidado, excepto el de la estrofa que se repite antes y después del estribillo de la primera canción: en el documento del que hablamos el pasaje, sencillamente, no existe. Dado que Carry that weight utiliza como estrofa un motivo musical de You never give me your money que sí aparece en el manuscrito del que venimos tratando, y que esta canción en cuestión no nació hasta la segunda mitad del mes de marzo de 1969, el desarrollo final de Golden slumbers no puede ser anterior a abril de aquel año. Probablemente, de hecho, es más tardío aún.

Arreglos instrumentales y vocales

Golden slumbers dura apenas 1’32”, pero es una gran canción. Se trata de una dramática balada que abre con unas pocas notas de piano, al que enseguida se le unen la conmovedora voz de Paul, el muy intuitivo bajo de seis cuerdas de George y unos dramáticos arreglos orquestales de cuerda, concebidos por George Martin con la activa participación de McCartney. Tras la primera estrofa, la batería y los metales introducen el desgarrado estribillo, que McCartney interpreta con su mejor voz de cantante soul. El contraste con su dulcísima manera de encarar vocalmente la estrofa es desgarrador.

«Recuerdo que intenté conseguir una voz muy fuerte porque trataba un tema muy delicado. Trabajé en la fuerza de la voz, y terminé bastante satisfecho con ella» (Paul McCartney, 1997).

«Paul tenía una imaginación tan vívida que fácilmente podría haber hecho la orquestación él mismo si hubiera tenido un poco de formación. Le insté a que tomara algunas lecciones, pero me dijo sinceramente: “¿Para qué si te tengo a ti?”» (George Martin, 2012).

La repetición de la primera estrofa, con nuevos arreglos de los instrumentos clásicos (aunque los metales aparecen de forma mucho más discreta), conduce directamente a Carry that weight, una pieza igual de espeluznante en todos los aspectos. The end culmina la trilogía de forma soberbia. Según George Martin, The Beatles tocaron el cielo con este pequeño medley de tres canciones:

«La secuencia de Golden slumbers del final del disco sigue siendo una de mis piezas favoritas» (George Martin, 1994).

George Harrison también tuvo palabras afectuosas para Golden slumbers:

«Golden slumbers es otra pieza de Paul, muy melódica, que también es bastante agradable» (George Harrison, 1969).

Grabación

Como tantas otras canciones del medley de la cara B de Abbey Road, este tema y el siguiente, Carry that weight, fueron grabados como si fuesen una sola pieza. En realidad lo eran, al menos en un principio: hasta el 30 de julio de 1969 ambas canciones fueron consideradas como un único tema titulado Golden slumbers. Aun así, en cada una de las dos piezas aparecen algunos instrumentos diferentes, ya que de hecho se trataba de dos composiciones completamente distintas que necesitaban de arreglos disímiles, incluidos también los vocales. En la grabación de estas dos canciones solo participaron Paul, George y Ringo: los dos temas comenzaron a grabarse mientras John permanecía hospitalizado en Escocia y, tras su vuelta, el guitarrista no mostró interés en añadir nada de su propia cosecha, o quizá simplemente Paul no le invitó a hacerlo.

La grabación conjunta de Golden slumbers y Carry that weight dio inicio el 2 de julio de 1969, en una jornada que comenzó a las tres de la tarde con McCartney registrando el solitario Her Majesty y que concluyó a las nueve y media de la noche. Sin John en el estudio por culpa de su accidente, Paul, George y Ringo atacaron quince tomas de la pista básica, tocando respectivamente el piano (pista 3), el bajo de seis cuerdas (pista 2) y la batería (pista 1). McCartney también cantaba para guiar la interpretación (pista 8). Al día siguiente, y sobre una edición de las tomas 15 y 13 (probablemente en ese orden, aunque siguió siendo etiquetada como “toma 13”), Paul registró por primera y única vez en la historia de The Beatles una guitarra rítmica y George añadió una pista de guitarra solista, instrumentos que solo se escuchan en Carry that weight, no en Golden slumbers. A continuación Paul grabó una toma de su interpretación vocal en la pista 4 a la vez que Ringo reforzaba la batería en el mismo canal. Los dos mismos músicos todavía tuvieron tiempo de interpretar al alimón, y por partida doble, las voces del estribillo de Carry that weight, en las pistas 4 y 7. Al final de la sesión, que se extendió entre las tres y las ocho y media de la tarde, el equipo técnico encaró un par de intentos de reducción de pistas y se seleccionó el segundo (etiquetado como “toma 17”) para continuar la tarea.

El día 4, en una breve sesión que comenzó a las tres menos cuarto y acabó a las cinco y media de la tarde, se acometieron todavía más sobregrabaciones. Incluyeron, al menos, el registro de la guitarra de Harrison que recrea los arpegios de You never give me your money al final de Carry that weight (acompañada de batidas adicionales de Starr en la batería en la pista 7 de la toma 17) y el de una nueva toma vocal de McCartney (pista 6). Algunos autores atribuyen el solo de guitarra registrado en esta sesión a McCartney.

Hasta el día 30 no se retomó el trabajo en ambas canciones. En aquella fecha, en una larga jornada en la que The Beatles se afanaron de tres y media de la tarde a diez y media de la noche perfeccionando varias canciones y que se remató con una mezcla provisional del medley de la cara B de Abbey Road, se añadieron nuevas voces. En este momento la cinta contenía batería (pista 1), bajo (pista 2), piano (pista 3), voz y batería (pista 4), voz de McCartney y Starr (pista 5) y la guitarra de la coda (pista 6).

Al día siguiente Harrison, McCartney y Starr dejaron casi rematada la tarea que corría a cargo del grupo. Ringo, para empezar, terminó de afinar el sonido de su batería y él mismo y Paul se turnaron batiendo el timbal, que solo se escucha en la sección de Carry that weight. No está definitivamente claro a cuál de los dos músicos escuchamos en la grabación final haciéndose cargo de este instrumento, aunque lo más probable es que sea a Paul: la batería registrada en esta sesión y el timbal se volcaron en la misma pista dada la escasez de canales disponibles. De hecho, Harrison interpretó a la vez y en la misma pista, la 7, el solo de guitarra que precede a la estrofa de Carry that weight. McCartney, obsesionado con el sonido de su voz en el estribillo de Golden slumbers, consiguió por fin en esta sesión dejar plasmada la desgarradora interpretación que andaba buscando: la pista vocal correspondiente a los dos últimos versos de la primera estrofa, al estribillo y a la segunda estrofa proviene de esta sesión, que comenzó a las dos y media de la tarde con sobregrabaciones en You never give me your money y que se alargó hasta la una y cuarto de la madrugada. La voz de Paul se registró en la pista 4, borrando buena parte de la interpretación ya existente de Golden slumbers.

El 15 de agosto, por fin, se remató el trabajo con la grabación de la pista orquestal, volcada a partitura por el siempre eficaz George Martin. Los arreglos que adornaron Golden slumbers, Carry that weight y The end se registraron en el gran estudio 1, aunque el equipo técnico dirigía la grabación desde la sala de control del 2, que era el único que ya contaba con una mesa de mezclas de ocho pistas.

«Fue una sesión gigantesca. Teníamos un gran número de cables que conectaban los estudios y todos andábamos por el edificio con walkie-talkies intentando comunicarnos entre nosotros» (Alan Brown, ingeniero de EMI, 1988).

«[Paul] añadió las cuerdas después de que hubiéramos terminado la mayoría de las pistas básicas. A mí personalmente no me molan las cuerdas y cosas así. Me gusta hacerlo con el grupo, o con electrónica, ya sabes. No me molan los inconvenientes que generan los músicos y todo eso. Es una lata tratar de reunirlos, pero a Paul le gusta. Así que ese es su rollo, y era cosa suya en realidad a dónde ir con los violines y lo que hizo con ellos. Creo que solo quería un apoyo musical básico, ya sabes. Nada raro. Eso era lo que intentó conseguir en la segunda cara de Abbey Road. No aguanto todo ese rollo de la ópera pop. Me gustan los discos que duran tres minutos, igual que los anuncios» (John Lennon, 1971).

El sonido de la orquesta se registró en la pista 8, en mono, pero en el proceso de mezcla se le aplicó efecto de ADT. De esta manera fue posible volcar los sonidos de las cuerdas y los metales en ambos canales del estéreo.

No se conservan los nombres de los músicos de orquesta que pusieron su destreza al servicio de las canciones de The Beatles en esta ocasión, aunque al menos uno de los trompetistas puede que esté identificado: entre los comentarios de los usuarios que visitan la web The Beatles Bilble, y en concreto en la entrada correspondiente a Golden slumbers, aparece una participación fechada el 27 de enero de 2024 en la que una tal Sheryl Nairn recuerda cómo su padre, Richard, colaboró en esta sesión de grabación con The Beatles.

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el álbum Abbey Road (Apple PCS 7088/TA-PMC 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969).
2. Las tomas 1, 2 y 3 de estudio de Golden slumbers y Carry that weight, todas incompletas, registradas el 2 de julio de 1969. Aparecieron, combinadas en un solo corte, en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) y en Abbey Road – 2 CD anniversary edition (Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019) con el título Golden slumbers / Carry that weight (Takes 1-3) en los formatos físicos y Golden slumbers / Carry that weight – Takes 1-3 / Medley en los digitales. Un extracto de la toma 1 ya se había escuchado en el material extra contenido en la versión en DVD de la serie televisiva Anthology, publicada en 2003, en una escena en la que George Martin dirige una audición para Harrison, McCartney y Starr. George es incapaz de recordar en qué álbum aparece Golden slumbers y tampoco se acuerda de haber tocado el bajo en la grabación, aunque Martin asegura al trío que lo que están escuchando es una grabación simultánea y que Paul tocaba el piano. Harrison bromea, asegurando que McCartney habría sido capaz de hacerse cargo del piano y del bajo tocándolos a la vez.
3. La grabación de estudio contenida en la primera mezcla del medley de nueve canciones que se preparó para su publicación en Abbey Road, sustituida más tarde por una segunda con algunas variantes y que eliminó Her Majesty. La voz de McCartney en los dos últimos versos de la primera estrofa, en el estribillo y en la segunda estrofa no es la de la versión definitiva y la grabación no incluye todavía los arreglos orquestales. Se publicó finalmente en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) con el título The long one (Trial edit & mix – 30 July 1969) en los formatos físicos y The long one – Comprising of ‘You never give me your money’, ‘Sun King’/‘Mean Mr Mustard’, ‘Her Majesty’, ‘Polythene Pam’/‘She came in through the bathroom window’, ‘Golden slumbers’/‘Carry that weight’, ‘The end’ en los digitales.
4. Una mezcla en mono de la sección orquestal de la grabación original, registrada el 15 de agosto de 1969. Apareció en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) con el título Golden slumbers / Carry that weight (Take 17 – Instrumental – Strings & brass only) en los formatos físicos y Golden slumbers / Carry that weight – Take 17 / Instrumental / Strings & brass only en los digitales.

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 18 de agosto de 1969.

• Abbey Road, LP/cinta abierta, Apple PCS 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4)
• The Beatles box, 8 LPs/8 cassettes, Parlophone/World Records SM 701-708/C70, 3 de noviembre de 1980 (primera edición y reedición 1)

2. La mezcla monoaural, una reducción al mono de la variación 1.

• Abbey Road, cinta abierta, Apple TA-PMC 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en cinta abierta mono)

3. La remasterización de 1987, estereofónica y basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 5-11)

4. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 12-17)

5. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 4 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• Abbey Road, LP (reediciones 18-20)

6. La mezcla estéreo preparada por Giles Martin para el relanzamiento de Abbey Road en 2019.

• Abbey Road, LP (reediciones 21-24)
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3LPs/álbum digital, Apple/Universal Music 0602508007446/sin referencia, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – 2 CD anniversary edition, 2 CDs, Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

7. La mezcla estéreo de 2019 en sistema Dolby Atmos.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

8. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit DTS HD Master Audio 5.1.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

9. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit High Res Stereo.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

Golden slumbers se escucha en el tercer capítulo de la serie televisiva Anthology, estrenada mundialmente en noviembre de 1995, ilustrada con fotografías tomadas durante las sesiones de grabación del álbum y el 22 de agosto de 1969. La misma secuencia aparece en la octava cinta de la versión en vídeo de Anthology. La mezcla que aparece en la versión en DVD de la serie, inédita en disco, centra el sonido de la batería.

Repercusión social

Golden slumbers es una canción que contaba aparentemente con pocas papeletas para triunfar en solitario, escondida como estaba hacia el final de un álbum del que apenas ha sido extraída en una ocasión (reapareciendo en una recopilación extensísima, The Beatles box) e inserta en el contexto de un medley; pero se ha ganado sin hacer ruido el corazón de los fans y de la crítica. Desde el 5 de julio de 2024 cuenta con un disco de plata concedido por la industria británica (200.000 ejemplares) gracias a las descargas legales y al streaming acumulados desde 2010.

Los musicólogos adoran esta composición de McCartney, casi siempre tratada como un todo junto a Carry that weigh y The end u, ocasionalmente, como elemento indisociable del medley de ocho temas de la cara B de Abbey Road. Para Jim Beviglia, autor del libro Counting down The Beatles: Their 100 finest songs (Rowman & Littlefield, Lanham, 2017), el combinado de Golden slumbers, Carry that weight y The end debe considerarse como la segunda mejor canción de toda la discografía de The Beatles, solo por detrás de la imbatible A day in the life, mientras que la lista de las cincuenta canciones más relevantes de los de Liverpool publicada en 2014 por el medio estadounidense Ultimate Classic Rock le concedió un tercer puesto (tras, de nuevo, A day in the life y Strawberry fields forever) como parte del medley de ocho canciones. Otros medios también han destacado la canción en el contexto de la discografía de The Beatles: para la revista estadounidense Entertainment Weekly (2009) la secuencia de tres canciones ocupa el puesto 19; la británica Uncut (2001) concedió la vigésimo primera posición de forma conjunta a Golden slumbers y Carry that weight; la edición estadounidense de Rolling Stone ubicó en 2010 al medley al completo en el puesto 23; la alemana Eclipsed (2014) también destacó el medley completo, reconociéndole el puesto 24; para la revista estadounidense Paste (2015), Golden slumbers en solitario es la decimoséptima mejor canción de la banda; y para la británica New Musical Express (2015) el medley completo merece el puesto número 15. La misma revista reservó esa misma decimoquinta posición para Golden slumbers en solitario en 2023.

Golden slumbers también ha conseguido asomar cabeza en algunas listas que identifican las mejores canciones de la Historia. Destaca la opinión de la emisora estadounidense de radio WZLX, que concedió en 2015 el puesto número 201 al combinado de las tres canciones.

The Beatles cuentan entre sus fans con algunos personajes ilustres, como el director, productor y guionista de cine y televisión Robert Zemeckis, autor, entre otras, de la oscarizada Forrest Gump, en la que aparece John Lennon. Consiguió ser admitido como alumno de la Escuela de Artes Cinemáticas de la Univerisity of Southern California gracias a un ensayo escrito y a un corto en el que Golden slumbers oficiaba como banda sonora. Su primer largometraje, de 1978, se tituló I wanna hold your hand —Locos por ellos—, y narra la historia de un grupo de fans que hace todo lo posible por colarse en el primer concierto que ofrecieron The Beatles en los Estados Unidos. En 2009 los propios Beatles le encargaron un remake de Yellow submarine, pero el proyecto no salió adelante.

«Las primeras películas de 8 mm que hice cuando tenía trece años tenían música de The Beatles en la banda sonora. Incluso mi primera película de 16 mm en la USC utilizaba Golden slumbers en la banda» (Robert Zemeckis, 1978).

Apariciones audiovisuales

Televisión

• The Beatles: Get back – Part 1: Days 1-7 (Disney+), estrenado el 25 de noviembre de 2021. Incluye la escena rodada a primera hora del 9 de enero de 1969 en los Twickenham Film Studios en la que McCartney presenta al piano Golden slumbers y Carry that weight a Starr y Mal Evans.

Cine

En la película documental de 2016 The Beatles: Eight days a week – The touring years se escucha un breve pasaje de la grabación de estudio de Golden slumbers.

Carreras en solitario

Paul McCartney

• En vivo: Gira “The Paul McCartney world tour”; Reino Unido, Noruega, Suecia, Alemania, Francia, Italia, Suiza, España, Países Bajos, Estados Unidos, Canadá, Japón y Brasil, 1989-1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En disco: Tripping the live fantastic, 3 LPs/2 cassettes/2 CDs, Parlophone PCST 7346/TC PCST 7346/CDPCST 7346, 5 de noviembre de 1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end); Tripping the live fantastic – Highlights!, cassette/CD, Parlophone TC-PCSD 114/CDPCSD 114, 19 de noviembre de 1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En cine: Get back, 20 de septiembre de 1991. Publicado en vídeo, LaserDisc y DVD.
• En vivo: Concierto colectivo “Music for Montserrat”, Londres (Reino Unido), 15 de septiembre de 1997 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Radiado y emitido en televisión de pago.
• En vídeo: Music for Montserrat, VV.AA., marzo de 1998 [como Golden slumbers, atribuida a Paul McCartney (with Phil Collins/Mark Knopfler/Eric Clapton/Ray Cooper/house band/choir/orchestra/conducted by George Martin)].
• En vivo: Gira “On the run tour”; Estados Unidos, Canadá, Emiratos Árabes Unidos, Italia, Francia, Alemania, Reino Unido, Suecia, Finlandia, Rusia, Países Bajos, Suiza, Bélgica, Uruguay, Paraguay, Colombia, Brasil y México, 2011-2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto colectivo “MusiCares person of the year”, Los Ángeles (Estados Unidos), 10 de febrero de 2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En televisión: 54^th annual Grammy Awards, CBS (Estados Unidos), 12 de febrero de 2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “Out there! tour”; Brasil, Estados Unidos, Polonia, Italia, Austria, Canadá, Japón, Uruguay, Chile, Perú, Ecuador, Costa Rica, Corea del Sur, Reino Unido, Francia, Países Bajos, Noruega y Suecia, 2013-2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto privado, Nueva York (Estados Unidos), 7 de noviembre de 2014 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “Special Valentine’s Day concert”, Nueva York (Estados Unidos), 14 de febrero de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En DVD/Blu-ray/vídeo digital: A MusiCares tribute to Paul McCartney, 24 de marzo de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end, atribuida a Paul McCartney featuring Dave Grohl and Joe Walsh).
• En vivo: Concierto “Robin Hood benefit”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de mayo de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Firefly Music Festival”, Dover (Estados Unidos), 19 de junio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Roskilde Festival”, Roskilde (Dinamarca), 4 de julio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Lollapalooza”, Chicago (Estados Unidos), 31 de julio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “All together now: PETA’s 35^th anniversary party with Sir Paul McCartney”, Hollywood (Estados Unidos), 30 de septiembre de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “2015 ATA Management Conference & Exhibition”, Filadelfia (Estados Unidos), 19 de octubre de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “One on one tour”; Estados Unidos, Canadá, Argentina, Alemania, Francia, España, Chequia, Noruega, Dinamarca, Japón, Brasil, México, Australia y Nueva Zelanda, 2016-2017 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). En el concierto ofrecido el 24 de abril de 2017 en Tokio (Japón) la pieza se interpretó exclusivamente en la prueba de sonido.
• En vivo: Festival “Pinkpop Festival”, Landgraaf (Países Bajos), 12 de junio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Rock Werchter”, Werchter (Bélgica), 30 de junio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “SummerFest”, Milwaukee (Estados Unidos), 8 de julio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Desert Trip”, Indio (Estados Unidos), 8 y 15 de octubre de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “Secret New York concert”, Nueva York (Estados Unidos), 7 de septiembre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Emitido en streaming en YouTube.
• En vivo: Gira “Freshen up”; Canadá, Japón, Francia, Dinamarca, Polonia, Austria, Reino Unido, Chile, Argentina, Brasil y Estados Unidos, 2018-2019 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Austin City Limits Music Festival”, Austin (Estados Unidos), 5 y 12 de octubre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto privado, Foxborough (Estados Unidos), 9 de octubre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “Got back”; Estados Unidos, Australia, México, Brasil, Uruguay, Argentina, Chile, Perú, Colombia, Costa Rica, Francia, España y Reino Unido, 2022-2024 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). La canción fue interpretada en todos los conciertos excepto en el de Adelaide (Australia) del 17 de octubre de 2023, de formato reducido.
• En vivo: Concierto “Live in Frome”, Frome (Reino Unido), 24 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Glastonbury Festival”, Pilton (Reino Unido), 25 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Parte del concierto fue radiado (excluyendo los bises, entre los que se incluía esta canción) y televisado.
• En podcast: Paul McCartney at Glastonbury 2022, BBC Sounds, 26 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En streaming: BBC music at Glastonbury – Paul McCartney 2022, BBC iPlayer, 26 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Corona Capital”, Ciudad de México (México), 17 de noviembre de 2024 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 11 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 13 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En televisión: Saturday night live – SNL 50 The anniversay special, NBC/Peacock, 16 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).

Versiones relevantes

Golden slumbers y Carry that weight fueron publicadas como un único corte por un grupo de la ciudad escocesa de Glasgow contratado por Apple, Trash, que solo había lanzado previamente otro single, también en el sello de The Beatles, bajo el alias White Trash. Su sencillo apareció en el Reino Unido el mismo día en el que se publicó Abbey Road, el 26 de septiembre de 1969, con la referencia Apple 17, pero en los Estados Unidos llegó a adelantarse al lanzamiento del álbum de The Beatles: se publicó, con el título Golden slumbers and Carry that weight, el día 19 de aquel mes (Apple 1811). El single alcanzó el 8 de noviembre de 1969 el puesto 35 en la lista oficial británica y el 27 en la de New Musical Express (y en los Estados Unidos consiguió escalar hasta el puesto 12 en la sublista del Hot 100 “Bubling under”)… aunque a punto estuvo de no publicarse. Trash había grabado la combinación de composiciones de McCartney por iniciativa de Richard DiLello, que ostentaba en Apple el cargo de “oficial de enlace con los clientes” aunque era conocido por todos como el “hippie doméstico”. DiLello era el valedor de la banda en Apple e incluso fue él quien la bautizó como White Trash. Cuando McCartney supo de los planes de lanzar el single a la vez que Abbey Road, e incluso antes en los Estados Unidos, montó en cólera (antes del incidente había ordenado que el contrato de Trash con Apple fuera revocado), pero DiLello maniobró hábilmente: hizo que Lennon escuchara el acetato de la grabación y consiguió que el fundador de The Beatles autorizara el lanzamiento. John sabía que Paul se oponía… pero también tenía la mejor de las opiniones sobre la versión combinada de Trash de dos temas en los que, paradójicamente, él no había participado cuando los grabaron los de Liverpool.

«Es bastante buena también. Han usado cuerdas y es bastante parecida a la grabación que hicimos nosotros, excepto porque han hecho algunas cosas chulas con un gran órgano, como un órgano de iglesia, tocando un solo o algo así. Le han echado bastantes agallas. La canción tiene un cierto tono góspel de alguna manera. Espero que consigan un éxito» (John Lennon, 1969).

«Derek Taylor se coló en el despacho de Neil Aspinall, le robó el acetato y nos lo dio. Dijo: “Sacad la canción más comercial de ahí”. Volvimos a casa y lo grabamos en nuestra grabadora. Elegimos Golden slumbers/Carry that weight, pensamos que era bastante pegadiza. George Harrison tenía tiempo de estudio reservado que no iba a utilizar, Derek nos consiguió el tiempo de estudio de George Harrison y George Martin nos dio las partituras de las sesiones de cuerdas para Golden slumbers, que utilizamos nosotros mismos. Yo toqué la guitarra eléctrica, usando el amplificador Leslie de George Harrison, para conseguir ese tipo de efecto.
»Teníamos que conseguir que dos beatles dijeran que sí para lanzarlo en Apple. Y McCartney dijo: “No, no lo vamos a publicar”. El chisme que corría en aquellos días era que estaba celoso, porque Derek había actuado a sus espaldas y porque pensaba que era una versión mejor. Pero sin duda la versión [de Trash] era diferente. Era más heavy. Ronnie Leahy tocó un órgano precioso. Era un buen single, un single comercial, pero un poco diferente de The Beatles. Así que Derek arregló la cosa para que un par de nosotros fuéramos a ver a John Lennon, hablamos de todo el asunto y él dijo: “Os comunicaré una decisión”. Alrededor de una hora más tarde, estábamos sentados en la oficina y Yoko se acercó y dijo: “Sí, John dice que vale”. Y todo el lugar estalló» (Fraser Watson, miembro de Trash, 2000).

El éxito de Trash fue solo parcial y, en todo caso, insuficiente: Golden slumbers/Carry that weight fue el segundo pero también el último single de la formación. La banda se disolvió y el álbum que tenía grabado, al que se le había asignado el número de catálogo Apple SAPCOR 7, nunca llegó a aparecer. El productor de los dos sencillos que publicó la banda (el primero, Road to nowhere, presidido por una composición de Gerry Goffin y Carole King, se había lanzado el 24 de enero de 1969 con la referencia Apple 6 y no logró triunfar) fue nada menos que Tony Meehan, el antiguo batería de The Shadows que había despreciado el trabajo de The Beatles cuando celebraron una audición con Decca el 1 de enero de 1962. Paradójicamente, el propio Meehan fue el responsable de que Apple contratara a la banda que adquirió el nombre de White Trash.

Años después, Jackson Browne y Jennifer Warnes grabaron juntos la canción (titulada Golden slumbers, aunque también incluía el estribillo de Carry that weight) y la cedieron para el álbum benéfico For our children (Walt Disney 60616-2, 28 de mayo de 1991), que alcanzó el puesto 31 de las listas estadounidenses el 22 de junio de 1991. El disco, publicado en beneficio de la Pediatric AIDS Foundation, también incluía Mary had a little lamb (McCartney/McCartney), atribuida a Paul McCartney, aunque en su aparición original en 1972 había sido firmada por Wings.

Phil Collins grabó el ciclo de esta canción y las dos siguientes, con el título Golden slumbers, Carry that weigh, The end, en el álbum colectivo In my life (Echo ECHLP20, 23 de marzo de 1998), producido por George Martin, quien aparecía también en la portada acreditado como artista principal del disco. En el clip aparecían ambos, Collins ejerciendo el doble rol de cantante y batería y Martin como productor y pianista.

La película de dibujos animados de 2016 Sing —¡Canta! en España, Sing: ¡Ven y canta! en Latinoamérica—, de Illumination Enterntainment, con guion y dirección de Garth Jennings, utiliza hasta dos veces una versión de Golden slumbers/Carry that weight interpretada por la estadounidense Jennifer Hudson. La grabación aparece en el disco de la banda sonora del filme (Universal Music/Republic Records B0026001-02, 9 de diciembre de 2016).

«“Sleep, pretty darling, do not cry,/and I will sing a lullaby”. Estas son frases que muchos padres probablemente les dicen a sus hijos para calmarlos cuando son pequeños. Una de las cosas que adoro de escribir canciones y de incluir versos como estos es que, cuando estás viendo una película o escuchando la radio o algo así, aparezca de repente la canción cantada por otra persona. Sencillamente, me encanta que haya tocado la fibra sensible. Una película reciente —un filme de animación titulado Sing— utiliza Golden slumbers para su apertura y es muy poderosa, y el tema aparece de nuevo justo al final, cuando has oído la historia entera y todo encaja.
»La gente a veces me pregunta si me importa que hagan versiones distintas de mis canciones, o si me preocupa que se distorsione el sentido original. Y yo les respondo: “No, ni de lejos. Me encanta escuchar otra interpretación de alguno de mis temas”. Es un curioso cumplido que alguien haya pensado lo suficiente en la canción como para querer hacer una versión de ella. Lo increíble es que la próxima generación, cuando vea una película animada para niños, conocerá Golden slumbers» (Paul McCartney, 2021).

La banda mancuniana Elbow grabó en 2017 una versión de Golden slumbers que originalmente se utilizó para una campaña publicitaria navideña de la cadena de grandes almacenes John Lewis. El remake apareció el 12 de noviembre de aquel año como single digital (Polydor, sin referencia), acompañado de un entrañable vídeo-clip, y escaló hasta el puesto 29 de las listas británicas el día 23 de aquel mismo mes. También se recogió inmediatamente en todas las variante del álbum recopilatorio de la banda The best of (edición estándar: Polydor 6723940, 24 de noviembre de 2017). El clip, como el anuncio, narraba la historia de la amistad entre un monstruo adorable y el niño que descubre que la criatura vive bajo su cama. Lo dirigió el cineasta francés Michel Gondry, colaborador habitual de Björk.

«John Lewis se puso en contacto y dijo: “Beatles, Michel Gondry”, y dijimos: “¡Sí, por favor!”. Es una canción tan bonita que no recuerdo no conocerla, forma parte de mi pasado. Mi madre me dijo que lo estaba pasando muy mal cuando salió el disco, y me dijo: “Me salvó la vida, de verdad”. Así que escucharnos tocarla significa mucho para mi madre, ¿sabes? Realmente la conmovió.
»Es un gran privilegio, realmente no aportamos nada, la canción es una obra maestra y el anuncio me pareció brillante, me gustó mucho» (Guy Garvey, cantante, guitarrista y compositor de Elbow).

Dos semanas más tarde de la publicación de la versión de Elbow, la artista albanobritánica Dua Lipa publicó su propio remake del tema de McCartney con el título Golden slumbers (Acoustic). Presidía su EP digital Live acoustic (Warner Bros., sin referencia, 8 de diciembre de 2017).

Carry that weight (Lennon-McCartney) 1’37”

• Versión 1 de 4 de Carry that weight
  • Variación 1 de 9: primera edición del disco en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4
  • Variación 2 de 9: primera edición del disco en cinta abierta mono
  • Variación 3 de 9: reediciones 5-11
  • Variación 4 de 9: reediciones 12-17
  • Variación 5 de 9: reediciones 18-20
  • Variación 6 de 9: reediciones 21-24

Grabación: 2, 3, 4, 30 y 31 de julio y 15 de agosto de 1969 (EMI Studios)
Productor: George Martin
Ingenieros de sonido: Phil McDonald y Geoff Emerick

GEORGE HARRISON: Guitarra solista y bajo de seis cuerdas
PAUL McCARTNEY: Guitarra rítmica, piano, timbal, voz principal y segunda voz
RINGO STARR: Batería y voz principal

DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Contrabajo
¿RICHARD NAIRN?: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trombón
DESCONOCIDA/O: Trombón bajo

CARRY THAT WEIGHT (Lennon/McCartney)

Boy, you’re gonna carry that weight,
carry that weight a long time.
Boy, you’re gonna carry that weight,
carry that weight a long time.
I never give you my pillow,
I only send you my invitations,
and in the middle of the celebrations, I break down.
Boy, you’re gonna carry that weight,
carry that weight a long time.
Boy, you’re gonna carry that weight,
carry that weight a long time.

CARGAR CON ESE PESO (Lennon/McCartney)

Muchacho, vas a cargar con ese peso,
cargar con ese peso durante mucho tiempo.
Muchacho, vas a cargar con ese peso,
cargar con ese peso durante mucho tiempo.
Nunca te doy mi almohada,
solo te envío mis invitaciones,
y en medio de las celebraciones me vengo abajo.
Muchacho, vas a cargar con ese peso,
cargar con ese peso durante mucho tiempo.
Muchacho, vas a cargar con ese peso,
cargar con ese peso durante mucho tiempo.

McCartney escribió el estribillo de Carry that weight a finales de 1968 y nunca consiguió llevar la composición más allá de este punto, pero recuperó el fragmento de forma sumamente inteligente y lo convirtió en un elemento fundamental del medley de Abbey Road: le injertó una estrofa perdida de You never give me your money y la adornó con un espectacular pasaje en el que interactúan los instrumentos de rock y una orquesta de cuerdas y vientos. Los dos únicos versos del estribillo reforzaban la idea que Paul ya había expresado en la canción con la que quedó hermanada: todo estaba desmoronándose.

Composición

Carry that weight era la segunda canción contenida en Abbey Road en la que Paul exorcizaba los fantasmas de las tensiones internas del grupo de una forma explícita. Esta vez escribió sobre sí mismo y sobre la responsabilidad que había asumido como organizador de la agenda de The Beatles tras la muerte de Brian Epstein, particularmente a lo largo del difícil período de 1968 y 1969, aunque hay autores que creen adivinar que la intención de McCartney era otra: Ian MacDonald apostó por interpretar que los versos del estribillo se referían a las inminentes carreras en solitario de los cuatro beatles, que inevitablemente se advenían dadas las tensiones que lo invadían todo, y a la confesión de Paul de que era consciente de que ninguno de ellos lograría quitarse de encima el peso de la herencia del trabajo conjunto como banda más famosa del planeta. Lennon afirmó en declaraciones posteriores que McCartney cantaba en esta canción “sobre todos nosotros”.

«Generalmente soy bastante optimista, pero en ciertos momentos las cosas me afectan tanto que ya no puedo ser optimista, y ese fue uno de esos momentos. Estábamos tomando mucho ácido y consumiendo muchas drogas y pasando por toda aquella mierda de Klein, que se estaba volviendo más y más y más loca. Cargar con ese peso durante mucho tiempo: ¡o para siempre! A eso me refería.
»Había lo que mi tía Gin habría llamado un mal ambiente: “Oh, puedo percibir el ambiente en esta casa, querido”. No era difícil, a ella no le hubiera gustado estar allí. Era “heavy”. “Heavy” era una palabra muy de moda en aquellos días —“heavy, colega”—, pero había llegado a ser verdaderamente “heavy”. De eso iba Carry that weight: no de la densidad ligera, más bien llevadera, aunque ingeniosa y a veces cruel, pero con un límite que podías manejar y que siempre te reservaba un lugar propio. En el contexto de aquel ambiente denso no había lugar en el que estar. Era una densidad grave, paranoica, y era muy desagradable » (Paul McCartney, 1997).

«Todo aquel período me pesó tanto que incluso empecé a pensar que todo estaba relacionado con la idea del pecado original. Aunque mi madre me había bautizado como católico, no nos educaron en el catolicismo, así que no me manejaba en el día a día con el concepto de pecado original. Es muy angustioso pensar que has nacido siendo un perdedor.
»La idea de cargar con un peso podría haber estado influida por la canción The weight, de The Band, que había aparecido en Music from Big Pink en julio de 1968» (Paul McCartney, 2021).

«[“Carry that weight”] es un verso de Paul, hasta donde yo sé. Podría ser de George o de Ringo por lo que yo sé. Supongo que es de Paul» (John Lennon, 1969).

«Ese es Paul. Al parecer, estaba estresado en aquella época» (John Lennon, 1980).

Acentuando en todo caso la relación entre Carry that weight y You never give me your money, la única estrofa de la canción que nos ocupa recupera la melodía de la pieza que abría el medley de Abbey Road. The Beatles ya habían recurrido a este truco en Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band al revisar la pieza que daba título al LP en la recta final del disco, y McCartney lo utilizaría con asiduidad en sus álbumes en solitario.

La pieza se escuchó por primera vez durante las sesiones que darían finalmente origen al álbum Let it be. Paul ya tenía encaminada la composición de la canción, como muestran las grabaciones de los ensayos de aquel mes de enero de 1969: McCartney la interpretó sentado al piano los días 7 y 9 de enero, en los Twickenham Film Studios. En ambas ocasiones entonó la pieza después de haber cantado Golden slumbers, de donde cabe deducir que ambas composiciones ya tenían su suerte ligada en la cabeza del bajista, aunque había entonado Carry that weight por primera vez, en solitario, el día 6 de enero.

«En realidad, es como la repetición de la historia de Maxwell’s silver hammer. “Todos tenemos un gran peso que cargar”. Pero esa es parte de Golden slumbers en realidad. Son como una única canción. Esa es el estribillo de Golden slumbers» (John Lennon, 1969).

A pesar de que Paul ya tenía mentalmente vinculadas las dos canciones, el bajista barajaba por aquel entonces la idea de desarrollar Carry that weight como un tema independiente y convertir a Ringo en su cantante principal. Pensaba, así se lo contó a Starr el 9 de enero, escribir una canción con una letra desenfadada que describiera escenarios cotidianos en los que la Fortuna juega al protagonista de la letra una mala pasada y que el estribillo surgiera una y otra vez para recordar que en la vida toca apechugar con lo que venga. Su modelo de canción, también lo explicó aquel día, era Act naturally, la pieza que el batería había protagonizado vocalmente en el álbum de The Beatles de 1965 Help! McCartney incluso tarareó un esbozo de estrofa con palabras sueltas que nunca llegó a utilizar. La idea de la estrofa existía ya el 6 de enero, la primera fecha en la que Paul tocó y cantó la breve composición dirigiendo al resto de la banda (él mismo al órgano, John a la guitarra y George al piano). En el repaso a la canción del día 9 escuchamos a Ringo tarareando el estribillo de Carry that weight junto a Paul.

«Es como… como una historia, un poco como Act naturally, en la que la frase que hace de gancho no para de aparecer, ya sabes, “esto y aquello y aquello y aquello”, pero todo lo que él decía era “actuar con naturalidad”. (…) Es como si tratara sobre tus problemas, pero era una especie de comedia cuando la oí [en mi cabeza]. (…) Había un verso sobre un borracho que se emborrachó, se metió en problemas con la esposa, se emborrachó, etcétera, etcétera, etcétera, y “desperté a la mañana siguiente con un peso sobre mi cabeza y descubrí que era mi cabeza”. (…) Va sobre los problemas habituales del día a día que tiene todo el mundo. Es una de esas canciones en las que lo tienes todo y todo va genial pero, ya sabes, “esta mañana se me ha roto un huevo”. Es completamente trivial» (Paul McCartney, 1969).

Arreglos instrumentales y vocales

La estructura de la canción es simple: en primer lugar, la inhabitual combinación vocal de Paul y Ringo canta el jovial estribillo en el que, curiosamente, destaca la voz del batería sobre la del propio autor de la canción. Una dramática transición orquestal y de guitarra eléctrica nos revela que volvemos atrás en el álbum para escuchar una estrofa perdida de You never give me your money. Después de que Paul la cante en solitario haciéndose segundas voces a sí mismo, McCartney y Starr vuelven a entonar el estribillo. Tras una breve transición instrumental en la que la guitarra sigue recordándonos en forma de arpegios el tema You never give me your money, las cortantes notas del instrumento que siguen corresponden ya a The end.

Durante años, y en parte por culpa de Mark Lewisohn, se creyó que la interpretación vocal del estribillo de Carry that weight había contado con la participación de Harrison, y algunos autores llegaron a afirmar que Lennon también se sumó tardíamente a colaborar en el registro del tema con un aporte vocal. De hecho, la entrada sobre la canción de la propia página web oficial de The Beatles sigue defendiendo esta versión de los hechos, aunque sea falsa.

Hay motivos para la confusión: efectivamente escuchamos cuatro voces, pero son las de McCartney y Starr dobladas. Paul había concebido desde el principio esta canción como un tema que debía cantar Ringo y quiso regalarle al batería su pequeño momento de gloria, e incluso destacó su voz por encima de la propia. Fue Kevin Howlett quien confirmó definitivamente en 2019 quiénes era los intérpretes vocales del estribillo de Carry that weight.

Grabación

Carry that weight fue grabada como una sola pieza junto a Golden slumbers. Consúltese la entrada de esta última canción para conocer el proceso de grabación.

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el álbum Abbey Road (Apple PCS 7088/TA-PMC 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969).
2. Las tomas 1, 2 y 3 de estudio de Golden slumbers y Carry that weight, todas incompletas, registradas el 2 de julio de 1969. Aparecieron, combinadas en un solo corte, en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) y en Abbey Road – 2 CD anniversary edition (Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019) con el título Golden slumbers / Carry that weight (Takes 1-3) en los formatos físicos y Golden slumbers / Carry that weight – Takes 1-3 / Medley en los digitales.
3. La grabación de estudio contenida en la primera mezcla del medley de nueve canciones que se preparó para su publicación en Abbey Road, sustituida más tarde por una segunda con algunas variantes y que eliminó Her Majesty. La grabación de Carry that weight contenida en esta mezcla no incluye todavía los arreglos orquestales ni la guitarra solista que introduce la estrofa, el timbal o los últimos arreglos de batería. Se publicó finalmente en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) con el título The long one (Trial edit & mix – 30 July 1969) en los formatos físicos y The long one – Comprising of ‘You never give me your money’, ‘Sun King’/‘Mean Mr Mustard’, ‘Her Majesty’, ‘Polythene Pam’/‘She came in through the bathroom window’, ‘Golden slumbers’/‘Carry that weight’, ‘The end’ en los digitales.
4. Una mezcla en mono de la sección orquestal de la grabación original, registrada el 15 de agosto de 1969. Apareció en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) con el título Golden slumbers / Carry that weight (Take 17 – Instrumental – Strings & brass only) en los formatos físicos y Golden slumbers / Carry that weight – Take 17 / Instrumental / Strings & brass only en los digitales.

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 18 de agosto de 1969. El ensamblaje con The end se acometió al día siguiente.

• Abbey Road, LP/cinta abierta, Apple PCS 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4)
• The Beatles box, 8 LPs/8 cassettes, Parlophone/World Records SM 701-708/C70, 3 de noviembre de 1980 (primera edición y reedición 1)

2. La mezcla monoaural, una reducción al mono de la variación 1.

• Abbey Road, cinta abierta, Apple TA-PMC 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en cinta abierta mono)

3. La remasterización de 1987, estereofónica y basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 5-11)

4. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 12-17)

5. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 4 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• Abbey Road, LP (reediciones 18-20)

6. La mezcla estéreo preparada por Giles Martin para el relanzamiento de Abbey Road en 2019.

• Abbey Road, LP (reediciones 21-24)
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3LPs/álbum digital, Apple/Universal Music 0602508007446/sin referencia, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – 2 CD anniversary edition, 2 CDs, Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

7. La mezcla estéreo de 2019 en sistema Dolby Atmos.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

8. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit DTS HD Master Audio 5.1.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

9. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit High Res Stereo.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

Apariciones audiovisuales

Televisión

• The Beatles: Get back – Part 1: Days 1-7 (Disney+), estrenado el 25 de noviembre de 2021. Incluye la escena rodada a primera hora del 9 de enero de 1969 en los Twickenham Film Studios en la que McCartney presenta al piano Golden slumbers y Carry that weight a Starr y Mal Evans.

Carreras en solitario

Paul McCartney

• En vivo: Gira “The Paul McCartney world tour”; Reino Unido, Noruega, Suecia, Alemania, Francia, Italia, Suiza, España, Países Bajos, Estados Unidos, Canadá, Japón y Brasil, 1989-1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En disco: Tripping the live fantastic, 3 LPs/2 cassettes/2 CDs, Parlophone PCST 7346/TC PCST 7346/CDPCST 7346, 5 de noviembre de 1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end); Tripping the live fantastic – Highlights!, cassette/CD, Parlophone TC-PCSD 114/CDPCSD 114, 19 de noviembre de 1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En cine: Get back, 20 de septiembre de 1991. Publicado en vídeo, LaserDisc y DVD.
• En vivo: Concierto colectivo “Music for Montserrat”, Londres (Reino Unido), 15 de septiembre de 1997 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Radiado y emitido en televisión de pago.
• En vídeo: Music for Montserrat, VV.AA., marzo de 1998 [como Golden slumbers, atribuida a Paul McCartney (with Phil Collins/Mark Knopfler/Eric Clapton/Ray Cooper/house band/choir/orchestra/conducted by George Martin)].
• En vivo: Gira “Driving USA tour”; Estados Unidos y Canadá, 2002 (como You never give me your money/Carry that weight).
• En vivo: Gira “Back in the US tour”, Estados Unidos, 2002 (como You never give me your money/Carry that weight). En el concierto ofrecido el 25 de octubre de 2002 en Anaheim (Estados Unidos) la pieza se interpretó también en la prueba de sonido.
• En vivo: Conciertos “Driving Mexico”, México D.F. (México), 2, 3 y 5 de noviembre de 2002 (como You never give me your money/Carry that weight).
• En vivo: Gira “Driving Japan”, Japón, 2002 (como You never give me your money/Carry that weight).
• En disco: Back in the U.S. – Live 2002, 2 CDs, Estados Unidos, Capitol CDP 7243 5 42318 2 7, 26 de noviembre de 2002 (como Carry that weight); Back in the world – Live, 2 CDs, Parlophone 07243 582835 2 5, 17 de marzo de 2003 (como Carry that weight).
• En DVD: Back in the U.S., diciembre de 2002 (como You never give me your money/Carry that weight).
• En vivo: Gira “Back in the world tour”; Francia, España, Bélgica, Reino Unido, Suecia, Italia, Rusia e Irlanda, 2003 (como You never give me your money/Carry that weight). En el concierto del 27 de mayo de 2003 en Dublín (Irlanda) el medley se interpretó también en la prueba de sonido.
• En vivo: Gira “On the run tour”; Estados Unidos, Canadá, Emiratos Árabes Unidos, Italia, Francia, Alemania, Reino Unido, Suecia, Finlandia, Rusia, Países Bajos, Suiza, Bélgica, Uruguay, Paraguay, Colombia, Brasil y México, 2011-2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto colectivo “MusiCares person of the year”, Los Ángeles (Estados Unidos), 10 de febrero de 2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En televisión: 54^th annual Grammy Awards, CBS (Estados Unidos), 12 de febrero de 2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “Out there! tour”; Brasil, Estados Unidos, Polonia, Italia, Austria, Canadá, Japón, Uruguay, Chile, Perú, Ecuador, Costa Rica, Corea del Sur, Reino Unido, Francia, Países Bajos, Noruega y Suecia, 2013-2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto privado, Nueva York (Estados Unidos), 7 de noviembre de 2014 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “Special Valentine’s Day concert”, Nueva York (Estados Unidos), 14 de febrero de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En DVD/Blu-ray/vídeo digital: A MusiCares tribute to Paul McCartney, 24 de marzo de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end, atribuida a Paul McCartney featuring Dave Grohl and Joe Walsh).
• En vivo: Concierto “Robin Hood benefit”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de mayo de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Firefly Music Festival”, Dover (Estados Unidos), 19 de junio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Roskilde Festival”, Roskilde (Dinamarca), 4 de julio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Lollapalooza”, Chicago (Estados Unidos), 31 de julio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “All together now: PETA’s 35^th anniversary party with Sir Paul McCartney”, Hollywood (Estados Unidos), 30 de septiembre de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “2015 ATA Management Conference & Exhibition”, Filadelfia (Estados Unidos), 19 de octubre de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “One on one tour”; Estados Unidos, Canadá, Argentina, Alemania, Francia, España, Chequia, Noruega, Dinamarca, Japón, Brasil, México, Australia y Nueva Zelanda, 2016-2017 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). En el concierto ofrecido el 24 de abril de 2017 en Tokio (Japón) la pieza se interpretó exclusivamente en la prueba de sonido.
• En vivo: Festival “Pinkpop Festival”, Landgraaf (Países Bajos), 12 de junio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Rock Werchter”, Werchter (Bélgica), 30 de junio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “SummerFest”, Milwaukee (Estados Unidos), 8 de julio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Desert Trip”, Indio (Estados Unidos), 8 y 15 de octubre de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “Secret New York concert”, Nueva York (Estados Unidos), 7 de septiembre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Emitido en streaming en YouTube.
• En vivo: Gira “Freshen up”; Canadá, Japón, Francia, Dinamarca, Polonia, Austria, Reino Unido, Chile, Argentina, Brasil y Estados Unidos, 2018-2019 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Austin City Limits Music Festival”, Austin (Estados Unidos), 5 y 12 de octubre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto privado, Foxborough (Estados Unidos), 9 de octubre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “Got back”; Estados Unidos, Australia, México, Brasil, Uruguay, Argentina, Chile, Perú, Colombia, Costa Rica, Francia, España y Reino Unido, 2022-2024 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). La canción fue interpretada en todos los conciertos excepto en el de Adelaide (Australia) del 17 de octubre de 2023, de formato reducido.
• En vivo: Concierto “Live in Frome”, Frome (Reino Unido), 24 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Glastonbury Festival”, Pilton (Reino Unido), 25 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Parte del concierto fue radiado (excluyendo los bises, entre los que se incluía esta canción) y televisado.
• En podcast: Paul McCartney at Glastonbury 2022, BBC Sounds, 26 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En streaming: BBC music at Glastonbury – Paul McCartney 2022, BBC iPlayer, 26 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Corona Capital”, Ciudad de México (México), 17 de noviembre de 2024 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 11 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 13 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En televisión: Saturday night live – SNL 50 The anniversay special, NBC/Peacock, 16 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).

Versiones relevantes

El 10 de octubre de 1969, apenas dos semanas después de la publicación de Abbey Road, apareció en el mercado británico un single de la banda psicodélica londinense Orange Bicycle (Parlophone R 5811) presidido por un medley de dos canciones del LP de The Beatles, Carry that weight/You never give me your money. Como le había ocurrido al resto de los sencillos de la banda, que había empezado su carrera discográfica en 1960 bajo la denominación Robb Storme and the Whispers y que fue cambiando de nombre a lo largo de los años, el disco pequeño no logró colarse en las listas de ventas. El grupo se disolvió en 1971 y varios de sus miembros acabaron trabajando como respetados músicos de estudio.

Existen varios remakes adicionales de Carry that weight, algunos relativamente exitosos, aunque en todos ellos la composición figura como complemento de la pieza que la precede en Abbey Road, Golden slumbers. Es lo que sucede por ejemplo con la versión de la artista australiana Colleen Hewett, aunque en este caso la canción apareció con el título único de Carry that weight. Hewett pubicó su remake en julio de 1972 como cara A de su tercer sencillo (Festival FK-4785) y triunfó localmente en su propio país, consiguiendo alzarse con el puesto 29 de las listas australianas.

The end (Lennon-McCartney) 2’05”

(2’22” en las ediciones en CD y en formato digital de las variaciones 3-4 y 6-9, que incluyen una pausa previa a la aparición de Her Majesty)

• Versión 1 de 4 de The end
  • Variación 1 de 9: primera edición del disco en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4
  • Variación 2 de 9: primera edición del disco en cinta abierta mono
  • Variación 3 de 9: reediciones 5-11
  • Variación 4 de 9: reediciones 12-17
  • Variación 5 de 9: reediciones 18-20
  • Variación 6 de 9: reediciones 21-24

Grabación: 23 de julio y 5, 7, 8, 15 y 18 de agosto de 1969 (EMI Studios)
Productor: George Martin
Ingenieros de sonido: Phil McDonald y Geoff Emerick

GEORGE HARRISON: Guitarra solista y guitarra solista y rítmica
JOHN LENNON: Guitarra solista y guitarra rítmica
PAUL McCARTNEY: Guitarra solista, bajo, piano, voz principal y segunda voz
RINGO STARR: Batería

DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Contrabajo
¿RICHARD NAIRN?: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompeta
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trompa
DESCONOCIDA/O: Trombón
DESCONOCIDA/O: Trombón bajo

THE END (Lennon/McCartney)

Oh yeah, alright, are you gonna be in my dreams
tonight?
(Six, seven.)
Love you, love you, love you, love you,
love you, love you, love you, love you,
love you, love you, love you, love you,
love you, love you, love you, love you,
love you, love you, love you, love you,
love you, love you, love you, love you.
And in the end, the love you take
is equal to the love you make.
Aaah.

FIN (Lennon/McCartney)

Oh, sí, muy bien, ¿vas a colarte en mis sueños
esta noche?
(Seis, siete.)
Te amo, te amo, te amo, te amo,
te amo, te amo, te amo, te amo,
te amo, te amo, te amo, te amo,
te amo, te amo, te amo, te amo.
te amo, te amo, te amo, te amo.
te amo, te amo, te amo, te amo.
Y, a fin de cuentas, recogerás tanto amor
como hayas generado.
Ah.

The end remata de forma espectacular el ciclo de tres canciones de McCartney que cierra oficialmente el álbum Abbey Road, antes de la sorpresiva y no anunciada aparición de Her Majesty. Es un tema de rock en toda regla en el que cada uno de los cuatro miembros de la banda se reserva un momento personal de gloria: escuchamos el único y muy alabado solo de batería que Ringo ha grabado en toda su vida y, a continuación, un indescriptible duelo de guitarras solistas protagonizado por Paul, George y John. Es, probablemente, el tema más fastuoso de The Beatles desde el punto de vista instrumental, pero además concluye con un hermosísimo pasaje en el que McCartney canta un pareado que contiene dos de los versos más inspirados de toda su carrera.

Composición

Conocemos poco sobre el proceso de composición de The end. Sabemos apenas que es un tema de McCartney, que su título original era Ending (y que lo conservó a lo largo de las semanas en las que la pieza fue trabajada en el estudio)… y poco más. Cabe deducir que el tema no nació de la inspiración, sino como un ejercicio para completar la trilogía iniciada con Golden slumbers y Carry that weight y rematar el ciclo de canciones encadenadas que aparecen en la cara B de Abbey Road.

«The end no es más que el final. Es una secuencia que lo da todo por terminado» (George Harrison, 1969).

La pieza está claramente dividida en tres secciones, aunque solo las dos primeras existían cuando llegó al estudio. La canción prácticamente no tenía letra en un inicio: en el primer segmento Paul entonaba una enigmática frase (“Oh yeah, alright, are you gonna be in my dreams tonight?”) que quizá pretendía establecer una relación entre esta canción y los sueños mencionados en Golden slumbers. En la segunda sección el texto es todavía más conciso: McCartney repetía hasta veinticuatro veces la expresión más manida de toda la historia del pop: “love you”.

En realidad, The end operaba en estas dos unidades musicales diferenciadas como un tema que imitaba brillantemente a otras canciones contemporáneas de heavy rock, en las que las secciones instrumentales aparentemente improvisadas, pero interpretadas con un virtuosismo y una energía notables, eran las auténticas protagonistas. Si The Beatles no se hubieran separado a finales de 1969, cabe pensar que habrían desarrollado las potencialidades que encerraba The end en su producción musical de los años ’70.

La tercera sección cambia la reglas del juego de arriba abajo. The Beatles crearon su base musical sobre la marcha en el mismísimo estudio y Paul le sumó semanas después una melodía vocal en la que entonaba un inspiradísimo pareado que, en contraste con los otros versos de la canción, ha pasado a la Historia como una de las rimas más aplaudidas de la obra musical de los de Liverpool. The Beatles daban en el clavo hasta cuando trabajaban urgidos por la necesidad y ensamblando retales.

«Buscábamos un final para el álbum y me vino a la cabeza “a fin de cuentas, recogerás tanto amor como hayas generado”. Lo reconocí como un buen final para un álbum. Y es algo bueno que decir… ahora y para siempre, creo yo. No se me ocurre nada mejor como filosofía, porque todo lo que necesitas es amor. Sigue siendo lo que necesitas. No hay nada mejor. Así que, ya sabes, estoy muy orgulloso de estar en la banda que hizo esa canción, y que tuvo esos pensamientos, y que animó a otras personas a pensarlos para ayudarles a superar pequeños problemas aquí y allá. Así que… ¡¡Lo hicimos bien!!» (Paul McCartney, 1997).

«Ese es Paul otra vez, la inacabada, ¿verdad? Nada más que un tema del final. En él tenía un verso —“and in the end, the love you get is equal to the love you give”— (sic) que es un verso muy cósmico, filosófico. Lo que demuestra una vez más que, cuando quiere, es capaz de pensar» (John Lennon, 1980).

«Shakespeare terminaba sus actos con un pareado rimado para que el público supiera que habían terminado. Yo quería que [The end] terminara con un pequeño pareado significativo, así que seguí los pasos del Bardo y escribí un pequeño pareado» (Paul McCartney, 1997).

«En mi caso, siempre me ha fascinado el pareado como forma poética. Si lo piensas, ha sido el caballo de batalla de la poesía inglesa desde siempre: Cahuce, Pope, Wilfred Owen… Me fascinaba especialmente cómo Shakespeare usaba el pareado para cerrar una escena o una obra completa. (…)
»Esta era la forma que tenía Shakespeare de decir: “Eso es todo, amigos”, y The end era nuestra forma de decir lo mismo. (…)
»Este es uno de esos pareados que pueden dejarte pensando durante mucho tiempo. Puede que tenga que ver con el buen karma. Lo que va, vuelve, como dicen en los Estados Unidos» (Paul McCartney, 2021).

La máxima filosófica concebida por McCartney ha creado escuela, convirtiéndose en una de las frases más citadas de los textos de The Beatles… pero incluso en este caso el bueno de Paul no pudo o no quiso evitar una broma sexual inocente: “the love you make” significa, en el contexto de la frase, “el amor que produces”, “que generas” o “que das”, pero la expresión remite inevitablemente a la construcción inglesa “make love”: “hacer el amor”.

Arreglos instrumentales y vocales

The end, una vez más compuesta por Paul, continúa donde acaba Carry that weight sin transición alguna: inmediatamente después de que Paul y Ringo terminen de cantar por segunda vez el estribillo de la anterior canción, y tras unas pocas notas interpretadas por la orquesta, las afiladas guitarras de The end atacan sin compasión. Acto seguido, McCartney berrea como el más auténtico de los rockeros, angustiado por saber si el/la/los destinatario/a/os de su súplica va/n a aparecer en sus sueños esa noche. Y, a continuación, una primicia: Starr se luce con el primer y único solo de batería propiamente dicho de toda su carrera.

El solo no es especialmente largo pero es mucho más que apañado (para algunos, de hecho, es sublime) y demuestra que el sentido del ritmo de Ringo era su principal baza como percusionista: ese espectacular bombo machacón, esos imaginativos dibujos en los tom-toms… Lo más curioso de todo es que Starr se resistió todo lo que pudo a la hora de grabarlo:

«Ringo no hacía jamás solos de batería. Odiaba a los baterías que hacían largos solos. Todos les odiábamos. Y cuando se unió a The Beatles le dijimos: “Ah, ¿qué pasa entonces con los solos de batería?”, pensando que diría: “Sí, tendré uno de cinco horas en medio de vuestro repertorio”, y dijo: “¡Los odio!”. Dijimos: “¡Estupendo! ¡Te amamos!”. Así que nunca los hacía. Pero debido a este medley, yo dije: “Bueno, ¿un solo pequeñito?”, y se encabezonó de verdad y no quería hacerlo. Pero, con un poco de persuasión diplomática, yo dije: “Sí, haz únicamente esto, no será Buddy Rich a lo loco”, porque creo que eso es lo que no quería hacer» (Paul McCartney, 1988).

«Quizá sea una chorrada tocar la batería, porque nunca me ha interesado fijarme en los bateristas o escuchar solos. Nunca he hecho un solo porque me aburre» (Ringo Starr, 1967).

Al final Ringo cedió y se le reservaron en exclusiva quince segundos de la grabación en los que se le escucha a solas con sus tambores. Para darle más protagonismo al instrumento, la batería quedó registrada en dos pistas. No era la primera vez que el equipo técnico grababa el sonido del instrumento en dos canales distintos, pero seguía siendo algo excepcional. La voz de George Martin, que medía los compases para orientar a Starr, se coló en la grabación: enterrado en la mezcla, escuchamos su conteo en los tiempos seis y siete del solo de batería. El solo se extendía a lo largo de ocho compases, no de los trece que recuerda Ringo en la cita siguiente.

«Los solos nunca me han interesado. Ese solo de batería sigue siendo el único que he hecho. Está la sección de guitarra, en la que los tres asumen un solo, y luego pensaron: “Meteremos también un solo de batería”. Yo me oponía: “¡No quiero hacer ningún puto solo!”. Me convenció George Martin. Mientras lo tocaba, él iba contando porque necesitábamos una medición del tiempo. Era la cosa más ridícula del mundo. Yo iba haciendo “dum, dum… uno, dos, tres, cuatro…”, y tenía que parar en un sitio rarísimo, porque duraba trece compases. En cualquier caso lo hice, y me lo quité de encima. Ahora me alegro de que contemos con uno» (Ringo Starr, 2000).

«Lo que siempre me ha hecho gracia es lo mucho que hubo que insistirle a Ringo para que tocara ese solo. Normalmente, ¡tienes que intentar convencer a los baterías para que no hagan solos! [Risas] Él no quería hacerlo, pero todo el mundo le decía: “No, no, será fantástico”. Así que cedió, ¡y ofreció una interpretación puñeteramente maravillosa!
»Llevó un tiempo ajustarlo, y creo que Paul le ayudó con algunas ideas, pero es fantástico. Siempre quiero escuchar más, así de bueno es. Es muy musical, no es únicamente un baterista aporreando» (Geoff Emerick, 2014).

«Un asunto personal mío: el sonido fue el resultado de contar con unos parches nuevos de piel de becerro. Hay mucho trabajo de tom-tom en ese disco. Me hice con los parches nuevos y, naturalmente, los usé mucho, eran geniales. La magia de los discos de verdad es que mostraban que los tom-toms eran así de buenos. Creo que esa magia ya no existe, porque hay mucha manipulación» (Ringo Starr, 2000).

Ringo no practicaba el arte del solo de batería, así que tuvo que inspirarse en el patrón de otro artista de la percusión. Eligió a uno de los mejores:

«Tocamos en Londres en el ’71 y Ringo y Paul vinieron a vernos. Ringo envió a su hombre al backstage y me invitó a un club privado llamado Tramps. Cenamos y bebimos y estuvimos toda la noche charlando. Entonces me dijo que había copiado mi solo [de In-a-gadda-da-vida] para su canción The end de Abbey Road. Y me pareció genial. Era el mayor cumplido que me podían hacer» (Ron Bushy, batería de Iron Butterfly, 2001).

Durante el proceso de sobregrabación, el solo de Starr quedó adornado con dos guitarras solistas y una pandereta, pero la banda decidió por último prescindir del sonido de estos instrumentos adicionales para que Ringo se luciera individualmente: como diremos enseguida, los otros tres músicos también tenían su momento de gloria en la canción y Starr se merecía igualmente su minuto de lucimiento. La grabación supuso un esfuerzo titánico para el batería: tras treinta y tres ensayos y tres tomas formales, George Martin abrió el micrófono de la sala de control para hablar con Starr: “¿Cómo te sientes, Ringo? Un trabajo duro, ¿verdad?”.

El protagonismo de la siguiente sección le corresponde a las guitarras; y de qué manera. En opinión de multitud de autores, los tres ciclos de tres solos consecutivos y alternos de The end son los mejores de toda la carrera del grupo, tanto por su efectividad por separado como por el conjunto que crean. En una batalla feroz, McCartney, Harrison y Lennon, en ese orden, van haciendo sonar sus guitarras a razón de dos compases cada una, cada cual luchando por ofrecer un pasaje mejor que el anterior. Paul y John tocan sus respectivas Epiphone Casino mientras que George puntea la Gibson Les Paul Standard que le había regalado Eric Clapton y a la que había bautizado como Lucy. El resultado es magistral. Probablemente sea The end la canción en la que los cuatro beatles demostraron con mayor efectividad que con los años también habían acumulado una buena dosis de virtuosismo instrumental.

La propuesta de rematar The end con un afilado solo de guitarra fue de Harrison; la idea de que se convirtiera en un duelo protagonizado por Paul, George y él mismo fue de Lennon. Además… el ciclo de tres solos de dos compases de duración cada uno que se repite tres veces fue registrado ¡en vivo y en una sola toma! Pura magia.

Por una vez en la vida, John le pidió a Yoko que se quedara en la sala de control mientras los tres amigos de la adolescencia se cargaban las guitarras al hombro para enfrentarse en un duelo instrumental final. Quizá intuía que sería un escenario que no se volvería a repetir.

«Soy un guitarrista de cinéma vérité, soy un músico y tienes que derribar tus barreras para escuchar lo que estoy tocando. Hay un trocito muy bonito que toqué yo; lo pusieron en la vuelta de Abbey Road. Paul nos dio una parte a cada uno, hay un pequeño break en el que toca Paul, luego toca George y luego toco yo. Y hay un pasaje, uno de esos en los que hay una pausa, uno de esos “carry that weights”, y, de repente, la batería hace bum, bum, bum y todos nos turnamos para tocar. Yo soy el tercero ahí.
»Tengo un estilo propio tocando. Siempre lo he tenido. Pero quedé ensombrecido. A George le llaman el cantante invisible. Pues yo soy el guitarrista invisible» (John Lennon, 1971).

«Había unos cuantos compases vacíos que rellenar después del solo de batería de Ringo —Paul los había dejado vacíos en plan “ya se nos ocurrirá algo”, como habíamos hecho con la parte central de A day in the life— y hubo un largo debate sobre qué añadir para darle cuerpo. “Lo obvio es un solo de guitarra”, dijo George Harrison. “Sí, pero esta vez deberías dejarme tocarlo a mí”, bromeó John. Le encantaba tocar la guitarra solista (a menudo se ponía a hacer partes solistas durante los ensayos), pero sabía que no tenía la finura de George o de Paul, así que rara vez lo hacía en las grabaciones. Todo el mundo se echó a reír, incluido John, pero nos dimos cuenta de que hablaba medio en serio.
»“¡Ya lo sé!”, dijo con picardía, no dispuesto a dejarlo pasar. “¿Por qué no tocamos todos el solo? Podemos turnarnos e intercambiar licks”. Los largos solos de guitarra con duelos de guitarristas solistas se estaban poniendo de moda en aquella época, así que era una sugerencia que sin duda tenía su mérito. George se mostró dubitativo, pero Paul no solo aceptó la idea, sino que subió aún más la apuesta: “Mejor aún”, dijo, “¿por qué no lo tocamos los tres en directo?”. A Lennon le encantó la idea; por primera vez en semanas vi un brillo real en sus ojos. El entusiasmo de John no tardó en contagiarse a George Harrison, que por fin se animó.
»Enviaron inmediatamente a Mal [Evans] al estudio para preparar los amplificadores de guitarra, mientras los tres beatles permanecían en la sala de control, escuchando la pista de acompañamiento y pensando en lo que iban a tocar. Paul anunció que quería hacer el primer solo y, como era su canción, los demás lo aceptaron. John, siempre competitivo, dijo que tenía una gran idea para el final, así que él sería el último. Como siempre, el pobre George Harrison se vio eclipsado por sus dos compañeros de banda y le tocó el puesto central por defecto.
»Yoko, como de costumbre, estaba sentada al lado de John en la sala de control mientras discutían, pero cuando Lennon se levantó para salir hacia el estudio, se volvió hacia ella y le dijo amablemente: “Espera aquí, cariño; no tardaré ni un minuto”. Parecía un poco sorprendida y dolida, pero hizo lo que John le pidió y se quedó sentada en silencio junto a la ventana de la sala de control durante el resto de la sesión. Era casi como si él supiera que ella iba a estropear las cosas y cargar el ambiente si estaba en el estudio con ellos. Algo en su interior le decía a John que, para que esto funcionara, tenía que hacerlo a solas con Paul y George, que sería mejor que Yoko no estuviera a su lado esta vez.
»Quizá fuera por eso, o porque en algún nivel subconsciente habían decidido dejar en suspenso sus egos por el bien de la música, pero durante la hora o así que tardaron en tocar aquellos solos, toda la mala sangre, todas las peleas, toda la mierda que había habido entre los tres antiguos amigos quedó olvidada. John, Paul y George parecían haber retrocedido en el tiempo, como si fueran niños otra vez, tocando juntos por puro placer. Más que nada, me recordaban a pistoleros, con sus guitarras amarradas, con miradas firmes, decididos a superarse unos a otros. Sin embargo, no había animosidad ni tensión, se notaba que simplemente se estaban divirtiendo.
»Mientras ensayaban, me esmeré en crear un sonido distinto y característico para cada beatle, de modo que el oyente percibiera que eran tres personas tocando y no una sola haciendo un solo prolongado. Cada uno tocaba un modelo diferente de guitarra con un tipo diferente de amplificador, así que no fue tan difícil conseguirlo. Le pedí a Mal que alineara los tres amplificadores en fila; no había necesidad de mucha separación porque todos se iban a grabar en una sola pista. Como había poco solapamiento entre cada solo de dos compases, sabía que podía equilibrar los niveles después con solo mover un fader.
»Lo que fue increíble fue que, tras un breve periodo de ensayo, lo clavaron en una sola toma. Al terminar no hubo palmadas en la espalda ni abrazos —The Beatles rara vez se expresaban así físicamente—, pero sí muchas sonrisas de oreja a oreja. Fue un momento conmovedor, una de las pocas veces en que se pudo decir eso en los últimos meses, y me propuse felicitar a cada uno de ellos cuando entraron en la sala de control para escucharla. Estaba tan impresionado por la forma de tocar de Harrison que le dije “ha sido realmente brillante” cuando entró por la puerta. George parecía un poco sorprendido, pero me hizo un gesto con la cabeza y me dio las gracias. Fue una de las pocas veces que sentí que había conectado con él a nivel personal.
»Supongo que también cabe la posibilidad de que, mientras interpretaban el solo, se dieran cuenta de que quizá nunca volverían a tocar juntos; tal vez vieran ese momento como una conmovedora despedida. Era la primera vez en mucho tiempo que los tres tocaban juntos en el estudio; en la mayoría de las sesiones de Abbey Road solo estaban uno o dos de ellos, más, a veces, Ringo. Sabían también que aquel tema iba a cerrar el álbum, porque ya habían decidido que The big one, como llamábamos al medley, ocuparía la segunda cara del álbum, en contraste con la primera cara, que iba a contener canciones independientes, abriéndose y cerrándose con temas de Lennon.
»Para mí, aquella sesión fue sin duda el punto álgido del verano de 1969, y escuchar esos solos de guitarra nunca deja de arrancarme una sonrisa. Si las buenas sensaciones engendradas ese día hubieran estado presentes a lo largo de todo el proyecto, quién sabe lo grande que habría llegado a ser Abbey Road» (Geoff Emerick, 2006).

«Se les notaba la alegría en la cara mientras tocaban; era como si volvieran a ser adolescentes. Solo necesitamos una toma. La telepatía musical entre ellos era alucinante» (Geoff Emerick, 2014).

«Creo que se nota en el disco que estábamos emocionados: el tema es emocionante y todo encaja. No importa la mierda por la que pasamos como individuos; cuando se trata de la música te das cuenta de que es realmente genial, y que todos pusimos el mil por cien» (Ringo Starr, 2000).

Mientras las guitarras se enzarzan en su particular combate, Paul recita incesantemente, a tres voces, un machacón “love you”, que cada vez va quedando más y más enterrado entre los enrevesados dibujos que van trazando los tres guitarristas con los instrumentos. También hay orquesta en esta sección, pero las guitarras la vuelven prácticamente inaudible, aunque en la versión de la canción publicada en 1996 en el álbum Anthology 3 las cuerdas y los vientos se escuchan con cierta nitidez.

Durante décadas, todos los autores dieron por bueno que la pista vocal de esta sección central era el resultado del trabajo conjunto de Harrison, Lennon y McCartney, pero, como en otros casos similares, fue Kevin Howlett quien sacó del error al mundo entero en 2019: Paul se encargó en solitario de acompañarse vocalmente a sí mismo, con una armonía grave y otra aguda que complementan su interpretación principal. La armonía más aguda se registró, lo sabemos también gracias a Howlett, con la cinta reproduciéndose a una velocidad más lenta de la habitual. El mismo autor desveló que en la sección final escuchamos de nuevo solo la voz de McCartney: el bajista se encargó de la pista principal, se acompañó armónicamente a sí mismo y grabó, también en solitario, el conclusivo “aaah” que remata la canción. No lo parece, pero el único cantante al que escuchamos en The end es a Paul.

Esta tercera y última sección empieza cuando, sin previo aviso, las guitarras enmudecen y solo un piano sigue punteando el ritmo de la canción en una única nota aguda. Pocos segundos después Paul comienza a cantar los dos últimos versos, apoyado por una segunda voz que, como decíamos antes, también grabó él mismo, y por una vocalización final igualmente de su autoría. En este momento reaparece también la orquesta, junto a la batería y una guitarra solista de Harrison. McCartney se despide con una frase que, como venimos comentando, muchos consideran de cierta profundidad filosófica.

El arreglo vocal de esta breve sección final es de una maestría absoluta: Paul solo añade la segunda voz armónica en las palabras centrales del dístico, mientras que en las iniciales (“and in the end…”) y en las finales (“… you make”) únicamente escuchamos la voz principal. El efecto dramático resulta arrollador. Mientras McCartney termina su fraseado, Starr dibuja un lento redoble final y la orquesta y la bellísima guitarra de Harrison nos dirigen hacia la caída del telón. Fin.

Grabación

La grabación de The end comenzó el 23 de julio de 1969 con siete tomas de la pista básica, en cada una de las cuales el solo de batería de Ringo fue diferente. La séptima, la que resultó mejor, apenas duraba 1’20”. El instrumento de Starr tenía un protagonismo inusitado en la grabación y, consecuentemente, se le reservaron los canales 1 y 2 de la cinta de ocho pistas para que su sonido pudiera mezclarse más tarde en estéreo.

«Una de las ventajas de trabajar en ocho pistas fue que pudimos grabar el solo de Ringo en estéreo, repartido en dos pistas, lo que permitió al oyente escuchar diferentes tom-toms y platillos en cada altavoz. Eso era muy poco habitual en una canción de The Beatles: la batería casi siempre se grababa en mono, incluso después de que nos pasáramos a ocho pistas. La nueva mesa de mezclas también ofrecía muchas más entradas que la antigua, así que pude poner una docena de micrófonos en el kit de Ringo, en lugar de los tres o cuatro que había utilizado anteriormente.
»Tener más micros me permitía controlar mejor la distribución del sonido, pero también podía dar lugar a más problemas técnicos (como que las señales se cancelaran unas a otras), así que tenía que tener mucho cuidado con la colocación de los micros y con crear el equilibrio adecuado. A menudo me paseaba por el estudio y ponía literalmente la oreja en distintos sitios, escuchando la diferencia de sonido si estaba a un cuarto de pulgada frente a una pulgada completa de distancia del parche de la batería, o la forma en que cambiaba la tonalidad de un platillo si escuchabas el borde del mismo en lugar de la parte superior. Para mí, esa fue siempre la clave de la colocación de los micrófonos: escuchar mucho en el estudio.
»Trabajar con ocho pistas también nos permitió el lujo de eliminar completamente los platillos de la batería de Ringo para grabarlos luego, ya que grabarlos a tiempo real afectaba en algunas ocasiones al tempo de la canción: después de darle al platillo, Ringo llegaba tarde a la siguiente batida» (Geoff Emerick, 2006).

La guitarra de Lennon se recogió en la pista 3, la de Harrison en la 4 y el bajo de McCartney en la 5. La cinta en la que se conservan las siete tomas oficiales registradas aquel 23 de julio contiene a continuación los ensayos del tema grabados aquel mismo día numerados del 22 al 33: The Beatles habían dedicado horas a preparar los arreglos del tema y los habían volcado en la misma cinta que, tras su rebobinado, recogió las tomas formales, y los ensayos finales se conservaron al final de la cinta. La sesión comenzó a las dos y media de la tarde y terminó nueve horas más tarde. Antes de abordar The end, McCartney enfrentó la grabación definitiva de su pista vocal en Oh! Darling y se añadieron nuevos arreglos en Come together.

Decíamos que la pista básica de la toma 7 (como la de las seis anteriores) dura apenas 1’20”, y ello es así porque solo contiene las dos primeras secciones de la canción. Sin embargo, cuando esta grabación provisional se utilizó el 30 de julio de 1969 en el contexto de la mezcla experimental del medley de Abbey Road, ya incluía también la tercera sección, que alargaba la duración del tema en casi un minuto. Según nos aclara Dave Rybaczewski en su web Beatles music history! The in-depth story behind the songs of The Beatles!, citando como fuente el libro de Bruce Spizer The Beatles on Apple Records (Four Ninety-Eight Productions, Nueva Orleans, 2003), Mark Lewisohn olvidó documentar lo que ocurrió al final de la sesión del 23 de julio: tras una audición de lo grabado en la sala de control, la banda llegó a la conclusión de que la pieza necesitaba algunos compases más y grabó a continuación un pasaje adicional sin duda creado sobre la marcha, protagonizado por el piano de Paul, las guitarras solistas de George y John y la batería de Ringo. Como veremos, McCartney regrabó semanas después su pista de piano y Starr añadió elementos en la de su batería (o quizá la rehízo completa). En todo caso, este pasaje final no incluía todavía el arreglo orquestal ni tampoco el bajo y las pistas vocales de Paul. De hecho, lo más probable es que el bajista compusiera la sección vocal de este segmento días más tarde de la grabación de la base instrumental. En uno de los cuadernos que McCartney utilizaba para plasmar las letras de sus nuevas composiciones aparece, aislado, el pareado final de The end, dividido en cuatro versos breves. Adornado con un dibujo de cuatro corazones atravesados por una flecha (¿los cuatro miembros de The Beatles?), aparece escrito en la página izquierda. La de la derecha contiene el texto de Every night, una canción que resurgiría en su primer álbum en solitario, de 1970, y que versa sobre los amargos sentimientos de Paul en estos tiempos de tensión y ruptura final de la banda: como You never give me your money y Carry that weight.

Todo esto explica, por cierto, que el título original de la canción según los registros del estudio fuera Ending (“Final”) y no The end: el verso en el que se menciona el nombre definitivo de la canción no existía todavía. Aquel 23 de julio, y con este añadido de última hora, The end duraba más o menos lo mismo que en su encarnación final. A lo largo del proceso de grabaciones y mezclas provisionales llegó a extenderse, por motivos que explicaremos más adelante, hasta 2’41”, aunque quedó finalmente reducida a 2’05” el 25 de agosto (la duración que le asignan los CDs y las ediciones digitales, 2’22”, es el resultado del añadido de varios segundos de silencio antes de la aparición en escena de Her Majesty).

Cabe en realidad una duda: ¿The Beatles alargaron la canción al final de la sesión añadiéndole un arreglo de nuevo cuño o modificaron el que de hecho sí habían grabado en la interpretación de las siete tomas básicas porque no les satisfizo? En la instrumental toma 3, publicada en 2019, la grabación concluye con un arreglo de guitarras que quizá fuera una improvisación inspirada por el momento… pero que no es imposible que se tratara de un final alternativo descartado que se escuchaba en todas las tomas.

El 5 de agosto, en la segunda sesión del día y de seis y media de la tarde a once menos cuarto de la noche, se acometieron las primeras sobregrabaciones, que fueron vocales: Paul grabó dos pistas del verso inicial de la canción y, según algunos autores (otros trasladan este registro a la sesión del 18 de agosto), otras dos de la sección final, cantando en este caso en armonía consigo mismo. Todo ocurrió después de haber dedicado unas horas al añadido de sintetizador Moog sobre Because.

Dos días después, el día 7 del mismo mes, se añadieron más voces, los “love you” de la sección central, y los impresionantes solos de guitarra que los acompañan, que quedaron registrados en la pista 4. Estos añadidos se sumaron solo después de haber procedido a una reducción de pistas que Mark Lewisohn tampoco dejó acreditada y que, entre otras cosas, agrupó las guitarras de John y George de la toma básica en la pista 7. Fue con cierta seguridad el momento que se aprovechó para sumar mediante edición un número indeterminado de compases adicionales a los veintidós ya existentes de la sección central, lo que alargó la canción hasta 2’41”. Según John C. Winn, en la mezcla final de la canción, de 2’05”, los veintiocho compases que escuchamos contienen las siguientes tres porciones de la grabación original: compases 1 a 6; compás 9 hasta el quinto pulso del compás 12; y sexto pulso del compás 4 hasta el compás 22. El autor especula con la posibilidad de que la edición original consistiera en la reproducción completa de los veintidós compases en un segundo ciclo: cuarenta y cuatro compases en total. La sesión de aquel día se desarrolló entre las seis de la tarde y medianoche.

El día 8, a lo largo de una jornada que comenzó a las dos y media de la tarde en el estudio 2, le correspondió el turno a unos añadidos de bajo y batería en la tercera y última sección de la canción. A las cinco y media McCartney se marchó al estudio 3 para trabajar hasta las diez menos cuarto sobre Oh! Darling mientras Lennon y Starr se quedaban en el 2 para añadir capas sonoras sobre I want you (She’s so heavy). Remataron la tarea a las nueve.

El 15 de agosto, Golden slumbers, Carry that weight y The end fueron objeto de una sobregrabación de orquesta que incluía doce violines, cuatro violas, cuatro violonchelos, un contrabajo, tres trompetas, cuatro trompas, un trombón y un trombón bajo. Los músicos de estudio enfrentaron por separado los temas que acabarían ensamblados en el disco, trabajando primero en el bloque de las dos piezas iniciales y después en The end, que seguía titulándose oficialmente Ending. Ocurrió entre las dos y media y las cinco y media de la tarde. El registro de la orquesta en The end, grabado en la pista 3, quedó ligeramente desincronizado en relación con la toma básica y fue necesario aislarlo en una cinta distinta y volcar manualmente su sonido sobre la grabación original en el proceso de mezcla.

El día 18 Paul terminó el trabajo regrabando las notas de piano que unen los solos de guitarras con los dos últimos versos de la canción. Ocurrió durante una sesión que comenzó a las dos y media de la tarde y no acabó hasta las diez y media de la noche. El resto del tiempo se dedicó en exclusiva a la mezcla definitiva de Golden slumbers y Carry that weight y a la provisional de The end. Al día siguiente se remató el trabajo de mezcla de la última canción del lote (o eso se pensó entonces) y las tres quedaron además definitivamente ensambladas. Con todo, aún quedaban dos últimos ajustes.

El primero consistió en remezclar de nuevo la canción para resolver el problema de desincronización de la orquesta detectado después de haber preparado un primer máster del álbum. Se hizo el 21 de agosto. El segundo consistió en eliminar treinta y seis segundos de la segunda sección del tema que seguía titulándose Ending, correspondientes al duelo de solos de guitarra entre McCartney, Harrison y Lennon. Ocurrió el 25 de agosto.

El título que se le asignó a última hora a la canción, The end, ha excitado durante décadas el morbo de muchos fans de la banda, que han interpretado que la canción operaba como una despedida explícita del grupo que había robado los corazones de millones de personas durante los mágicos años ’60. Y sí, forzando la máquina resulta cierto que esta es la última canción acreditada en el último álbum grabado por The Beatles, aunque la verdadera pieza de cierre de Abbey Road es Her Majesty y el último LP que The Beatles publicaron es Let it be. Con todo, no parece que ni McCartney ni The Beatles en su conjunto pretendieran que la canción actuara como cierre de telón de su carrera conjunta: hasta el último momento estuvo previsto que las dos caras de Abbey Road aparecieran invertidas y, por lo tanto, The end no era sino la canción de cierre de un largo medley que ocupaba buena parte de lo que iba a ser la primera vuelta del LP. Tampoco es cierto, como insisten varios autores, que The end fuera la última canción grabada por la banda como un cuarteto en el estudio: los registros conjuntos de Sun King, Mean Mr. Mustard, Polythene Pam y She came in throught the bathroom window son posteriores. Lo es incluso el de Because, una canción en la que no se escucha el aporte de Starr aunque el batería participó en la grabación batiendo un ritmo, que no apareció en la mezcla, para facilitar el trabajo de sus tres compañeros. Además, por supuesto, George, Paul y Ringo (sin John, es cierto) todavía se reunieron el 3 de enero de 1970 en el estudio para grabar un último tema, I me mine.

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el álbum Abbey Road (Apple PCS 7088/TA-PMC 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969).
2. Una nueva mezcla de la grabación de estudio que no incluye la primera sección de la canción y comienza, por tanto, con el solo de batería de Starr (en realidad en su segundo compás), acompañado de elementos que se omitieron en la mezcla original: dos guitarras solistas y una pandereta. Los dos primeros compases de la segunda sección fueron eliminados. El sonido de las guitarras que se baten en duelo es más prominente y, al final de esta sección, se escucha el arreglo de instrumentos de orquesta que quedó enterrado en la mezcla de la versión original. Incluye como coda una nueva mezcla del acorde conclusivo de piano de A day in the life, que aparece con un fade-in (que reproduce el sonido en dirección contraria) y muere en un fade-out. Apareció en el triple álbum Anthology 3 (Apple PCSP 729/TCPCSP 729/CDPCSP 729, 28 de octubre de 1996).
3. La toma 3 de estudio, registrada el 23 de julio de 1969. Apareció en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) y en Abbey Road – 2 CD anniversary edition (Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019) con el título The end (Take 3) en los formatos físicos y The end – Take 3 en los digitales.
4. La grabación de estudio contenida en la primera mezcla del medley de nueve canciones que se preparó para su publicación en Abbey Road, sustituida más tarde por una segunda con algunas variantes y que eliminó Her Majesty. Es exclusivamente instrumental y solo incluye, en la primera y en la segunda sección, la guitarra rítmica de Lennon, la rítmica y solista de Harrison, el bajo de McCartney y la batería de Starr y, en la tercera, las guitarras solistas de Harrison y Lennon y el piano y la batería de Starr, cuyos sonidos se modificaron en sesiones posteriores. Se publicó finalmente en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) con el título The long one (Trial edit & mix – 30 July 1969) en los formatos físicos y The long one – Comprising of ‘You never give me your money’, ‘Sun King’/‘Mean Mr Mustard’, ‘Her Majesty’, ‘Polythene Pam’/‘She came in through the bathroom window’, ‘Golden slumbers’/‘Carry that weight’, ‘The end’ en los digitales.

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 19 de agosto de 1969. Ese mismo día se dejó preparado el ensamblaje de Carry that weight y The end. La mezcla de The end todavía sufrió ajustes el 21 de agosto (sincronización de la pista en la que estaban grabados los instrumentos de orquesta) y el 25 de agosto (eliminación de treinta y seis segundos de la segunda sección de la canción).

• Abbey Road, LP/cinta abierta, Apple PCS 7088/TD-PCS 708, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4)
• The Beatles box, 8 LPs/8 cassettes, Parlophone/World Records SM 701-708/C70, 3 de noviembre de 1980 (primera edición y reedición 1)

2. La mezcla monoaural, una reducción al mono de la variación 1.

• Abbey Road, cinta abierta, Apple TA-PMC 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en cinta abierta mono)

3. La remasterización de 1987, estereofónica y basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 5-11)

4. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 12-17)

5. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 4 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• Abbey Road, LP (reediciones 18-20)

6. La mezcla estéreo preparada por Giles Martin para el relanzamiento de Abbey Road en 2019. Los solos de guitarra están distribuidos en el panelado de forma novedosa: los de McCartney se escuchan a la izquierda, los de Harrison a la derecha y los de Lennon en el centro.

• Abbey Road, LP (reediciones 21-24)
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3LPs/álbum digital, Apple/Universal Music 0602508007446/sin referencia, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – 2 CD anniversary edition, 2 CDs, Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

7. La mezcla estéreo de 2019 en sistema Dolby Atmos.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

8. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit DTS HD Master Audio 5.1.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

9. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit High Res Stereo.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

La grabación original de The end se escucha en el tercer capítulo de la serie televisiva Anthology, de 1995, así como en la octava cinta de la versión de la serie en vídeo, en una escena final ilustrada con imágenes caseras de cine rodadas durante la última sesión fotográfica del grupo, la del 22 de agosto de 1969. La mezcla utilizada en la versión en DVD, inédita en disco, realza el sonido de los instrumentos orquestales.

La mezcla de Get back publicada en el CD Love (Apple 0946 3 79808 2 8/0946 3 79810 2 3, 20 de noviembre de 2006) incluye los solos de batería y guitarra de The end (el segundo solo de guitarra de McCartney y el último de Lennon).

Repercusión social

En un artículo titulado “MD selects the top 25 drum solos of all time”, firmado por Mike Haid y publicado en abril de 2006 en la prestigiosa revista estadounidense Modern Drummer, la intervención de Starr en solitario frente a sus tambores en The end fue calificada como el vigésimo segundo mejor solo de batería de la Historia… y el autor no olvidaba mencionar que era el único solo de toda la carrera de Ringo con The Beatles (y también, Haid no lo mencionaba, de su carrera en solitario). La intervención de Ron Bushy en el tema de 1968 de Iron Butterfly In-a-gadda-da-vida (Ingle), que había inspirado la recreación de Starr con su propio estilo, ocupaba el puesto 13 del ranking. El número 1 era para el percusionista Gene Krupa por su participación en el tema de Benny Goodman Sing sing sing (With a swing) (Parts I and II) (Prima), grabado en vivo en el Carnegie Hall de Nueva York en 1938 y publicado en un doble álbum de 1950.

Solo un año más tarde, en agosto de 2007, la revista musical británica Q publicó un ranking de las mejores piezas de guitarra de todos los tiempos. The end ocupaba el número 7, precedida por la otra canción de The Beatles que aparecía en el ranking, And your bird can sing. La lista estaba presidida por dos cortes de Led Zeppelin, Black dog y Dazed and confused. Esta banda era, junto a The Beatles, la única mencionada en también en el ranking citado en el párrafo anterior, aunque el solo de batería que había merecido el aplauso de Modern Drummer era el de un tema distinto, Moby Dick (Bonham/Page/Jones).

El tema The sounds of science (Beastie Boys/Dust Brothers), del álbum de Beastie Boys Paul’s Boutique (Capitol/Beastie Boys Records C1-91743, 25 de julio de 1989), contiene un muy evidente sample no autorizado de las guitarras rítmicas de The end, junto a otros menos obvios de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, When I’m sixty-four y Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise).

Al menos cinco emisoras de radio han clausurado su emisión para siempre pinchando The end antes de fundir a negro o cambiar de denominación y programación: WPLJ (Nueva York, 1982), KMET (Los Ángeles, 1987), WNEW-FM (Nueva York, 1999), KSWD (Los Ángeles, 2017) y 4KQ (Brisbane, 2022). El mítico locutor de la BBC Ken Bruce se despidió de su audiencia radiofónica el 3 de marzo de 2023 de la misma manera.

En febrero de 1983 salió a la venta el libro The love you make: An insider’s story of The Beatles (McGaw-Hill, Nueva York), firmado por el antiguo asistente personal de Brian Epstein y ejecutivo de Apple Peter Brown, en colaboración con Steven Gaines. La obra, cuyo título evocaba el verso final de The end, era un retrato poco amable de sus antiguos jefes y provocó agrias reacciones de parte de los beatles supervivientes. Paul y Linda fotografiaron el momento en el que hacían arder la copia del libro que les había enviado el propio Brown. El fandom de la banda se refería a la obra como The muck you rake (“La porquería que rastrillas”).

El 9 de septiembre de 2011 se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto la película documental The love we make, del cineasta estadounidense Albert Maysles, cuyo título también parafraseaba, libremente, el verso conclusivo de The end. El filme muestra la actividad de Paul McCartney en Nueva York tras haber sido testigo en el aeropuerto JKF, desde un avión a punto de despegar que nunca llegó a hacerlo, de uno de los atentados contra las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2001. El documental concluye con imágenes del backstage de “The concert for New York City”, el espectáculo coral organizado por el exbeatle el 20 de octubre siguiente en el Madison Square Garden en beneficio de la Robin Hood Foundation y en homenaje a los héroes de aquella terrible jornada. La película se estrenó en salas comerciales en Japón aquel mismo 9 de septiembre de 2011 y en televisión, en Showtime, un día después, la víspera del décimo aniversario de los atentados. Estuvo disponible en DVD y Blu-ray desde el 6 de diciembre de aquel año.

Carreras en solitario

Paul McCartney

• En vivo: Gira “The Paul McCartney world tour”; Reino Unido, Noruega, Suecia, Alemania, Francia, Italia, Suiza, España, Países Bajos, Estados Unidos, Canadá, Japón y Brasil, 1989-1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En disco: Tripping the live fantastic, 3 LPs/2 cassettes/2 CDs, Parlophone PCST 7346/TC PCST 7346/CDPCST 7346, 5 de noviembre de 1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end); Tripping the live fantastic – Highlights!, cassette/CD, Parlophone TC-PCSD 114/CDPCSD 114, 19 de noviembre de 1990 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En cine: Get back, 20 de septiembre de 1991. Publicado en vídeo, LaserDisc y DVD.
• En vivo: Concierto colectivo “Music for Montserrat”, Londres (Reino Unido), 15 de septiembre de 1997 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Radiado y emitido en televisión de pago.
• En vídeo: Music for Montserrat, VV.AA., marzo de 1998 [como Golden slumbers, atribuida a Paul McCartney (with Phil Collins/Mark Knopfler/Eric Clapton/Ray Cooper/house band/choir/orchestra/conducted by George Martin)].
• En vivo: Gira “Driving USA tour”; Estados Unidos y Canadá, 2002 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto colectivo “Party at the Palace”, Londres (Reino Unido), 3 de junio de 2002 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end]. El concierto fue radiado y televisado.
• En vivo: Gira “Back in the US tour”, Estados Unidos, 2002 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Conciertos “Driving Mexico”, México D.F. (México), 2, 3 y 5 de noviembre de 2002 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Gira “Driving Japan”, Japón, 2002 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En disco: Back in the U.S. – Live 2002, 2 CDs, Estados Unidos, Capitol CDP 7243 5 42318 2 7, 26 de noviembre de 2002 (como Sgt. Pepper’s/The end); Back in the world – Live, 2 CDs, Parlophone 07243 582835 2 5, 17 de marzo de 2003 (como Sgt. Peppers/The end).
• En DVD: Back in the U.S., diciembre de 2002 [como Sgt. Pepper’s (Reprise)/The end].
• En vivo: Gira “Back in the world tour”; Francia, España, Bélgica, Reino Unido, Suecia, Italia, Rusia e Irlanda, 2003 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Gira “’04 summer tour”; España, Portugal, Suiza, Alemania, Chequia, Dinamarca, Suecia, Noruega, Finlandia, Rusia, Francia y Reino Unido, 2004 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En DVD: Paul McCartney in Red Square, 14 de junio de 2005 (como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band/The end).
• En vivo: Gira “The US tour”; Estados Unidos y Canadá, 2005 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En DVD: The McCartney years, 3 DVDs, Warner Music, 12 de noviembre de 2007 (como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band). El triple DVD, esencialmente un recopilatorio de clips musicales, incluye además varios extras y entre ellos nueve canciones registradas el 26 de junio de 2004 en el festival de Glastonbury, que supuso el cierre de la gira “’04 summer tour”. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, que se trata de hecho la versión “reprise” en un medley con The end, tema que no aparece acreditado en el embalaje del triple DVD, es uno de los cortes incluidos.
• En vivo: Concierto “Independence concert”, Kiev (Ucrania), 14 de junio de 2008 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end]. Emitido en directo por la televisión ucraniana.
• En vivo: Concierto “400^e anniversaire de Québec”, Quebec (Canadá), 20 de julio de 2008 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto “Friendship first concert”, Tel Aviv (Israel), 25 de septiembre de 2008 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Festival “Coachella Valley Music and Arts Festival”, Indio (Estados Unidos), 17 de abril de 2009 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end]. El concierto fue emitido en vivo por internet.
• En vivo: Concierto “The New Joint at Hard Rock Hotel & Casino”, Las Vegas (Estados Unidos), 19 de abril de 2009 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Gira “Summer live ’09 tour”; Canadá y Estados Unidos, 2009 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Gira “Good evening Europe tour”; Alemania, Países Bajos, Francia, Irlanda y Reino Unido, 2009 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En disco y DVD: Good evening New York City, 2 CDs+DVD/2 CDs+2 DVDs, Mercury 723 1857/723 1884, 17 de noviembre de 2009 (como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band/The end).
• En vivo: Gira “Up and coming tour”; Estados Unidos, Puerto Rico, México, Irlanda, Reino Unido, Canadá, Brasil, Argentina, Perú y Chile, 2010-2011 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto “Harlem Apollo”, Nueva York (Estados Unidos), 13 de diciembre de 2010 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto “100 Club”, Londres (Reino Unido), 17 de diciembre de 2010 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto “Live at the Apollo”, Londres (Reino Unido), 18 de diciembre de 2010 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto “Live at the Academy”, Liverpool (Reino Unido), 20 de diciembre de 2010 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto “HP Discover private show”, Las Vegas (Estados Unidos), 9 de junio de 2011 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Gira “On the run tour”; Estados Unidos, Canadá, Emiratos Árabes Unidos, Italia, Francia, Alemania, Reino Unido, Suecia, Finlandia, Rusia, Países Bajos, Suiza, Bélgica, Uruguay, Paraguay, Colombia, Brasil y México, 2011-2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto colectivo “MusiCares person of the year”, Los Ángeles (Estados Unidos), 10 de febrero de 2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En televisión: 54^th annual Grammy Awards, CBS (Estados Unidos), 12 de febrero de 2012 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Evento “Olympics opening ceremony”, Londres (Reino Unido), 27 de julio de 2012. El evento fue televisado.
• En vivo: Gira “Out there! tour”; Brasil, Estados Unidos, Polonia, Italia, Austria, Canadá, Japón, Uruguay, Chile, Perú, Ecuador, Costa Rica, Corea del Sur, Reino Unido, Francia, Países Bajos, Noruega y Suecia, 2013-2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Actuación “23^rd Annual Simply Shakespeare Benefit”, Santa Monica (Estados Unidos), 25 de septiembre de 2013 [como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The end].
• En vivo: Concierto privado, Nueva York (Estados Unidos), 7 de noviembre de 2014 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “Special Valentine’s Day concert”, Nueva York (Estados Unidos), 14 de febrero de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En DVD/Blu-ray/vídeo digital: A MusiCares tribute to Paul McCartney, 24 de marzo de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end, atribuida a Paul McCartney featuring Dave Grohl and Joe Walsh).
• En vivo: Concierto “Robin Hood benefit”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de mayo de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Firefly Music Festival”, Dover (Estados Unidos), 19 de junio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Roskilde Festival”, Roskilde (Dinamarca), 4 de julio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Lollapalooza”, Chicago (Estados Unidos), 31 de julio de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “All together now: PETA’s 35^th anniversary party with Sir Paul McCartney”, Hollywood (Estados Unidos), 30 de septiembre de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “2015 ATA Management Conference & Exhibition”, Filadelfia (Estados Unidos), 19 de octubre de 2015 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “One on one tour”; Estados Unidos, Canadá, Argentina, Alemania, Francia, España, Chequia, Noruega, Dinamarca, Japón, Brasil, México, Australia y Nueva Zelanda, 2016-2017 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). En el concierto ofrecido el 24 de abril de 2017 en Tokio (Japón) la pieza se interpretó exclusivamente en la prueba de sonido.
• En vivo: Festival “Pinkpop Festival”, Landgraaf (Países Bajos), 12 de junio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Rock Werchter”, Werchter (Bélgica), 30 de junio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “SummerFest”, Milwaukee (Estados Unidos), 8 de julio de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Desert Trip”, Indio (Estados Unidos), 8 y 15 de octubre de 2016 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto “Secret New York concert”, Nueva York (Estados Unidos), 7 de septiembre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Emitido en streaming en YouTube.
• En vivo: Gira “Freshen up”; Canadá, Japón, Francia, Dinamarca, Polonia, Austria, Reino Unido, Chile, Argentina, Brasil y Estados Unidos, 2018-2019 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Austin City Limits Music Festival”, Austin (Estados Unidos), 5 y 12 de octubre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Concierto privado, Foxborough (Estados Unidos), 9 de octubre de 2018 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Gira “Got back”; Estados Unidos, Australia, México, Brasil, Uruguay, Argentina, Chile, Perú, Colombia, Costa Rica, Francia, España y Reino Unido, 2022-2024 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). La canción fue interpretada en todos los conciertos excepto en el de Adelaide (Australia) del 17 de octubre de 2023, de formato reducido.
• En vivo: Concierto “Live in Frome”, Frome (Reino Unido), 24 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Glastonbury Festival”, Pilton (Reino Unido), 25 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end). Parte del concierto fue radiado (excluyendo los bises, entre los que se incluía esta canción) y televisado.
• En podcast: Paul McCartney at Glastonbury 2022, BBC Sounds, 26 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En streaming: BBC music at Glastonbury – Paul McCartney 2022, BBC iPlayer, 26 de junio de 2022 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: Festival “Corona Capital”, Ciudad de México (México), 17 de noviembre de 2024 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 11 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 13 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).
• En televisión: Saturday night live – SNL 50 The anniversay special, NBC/Peacock, 16 de febrero de 2025 (como Golden slumbers/Carry that weight/The end).

[Her Majesty (Lennon-McCartney) 0’26”]

• Versión 1 de 3 de Her Majesty
  • Variación 1 de 9: primera edición del disco en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4
  • Variación 2 de 9: primera edición del disco en cinta abierta mono
  • Variación 3 de 9: reediciones 5-11
  • Variación 4 de 9: reediciones 12-17
  • Variación 5 de 9: reediciones 18-20
  • Variación 6 de 9: reediciones 21-24

Grabación: 2, 24, 25 y 29 de julio de 1969 (EMI Studios)
Productor: George Martin
Ingenieros de sonido: Phil McDonald y Geoff Emerick

GEORGE HARRISON: Guitarra solista
JOHN LENNON: Guitarra rítmica y piano
PAUL McCARTNEY: Guitarra acústica, bajo con efecto fuzz y voz solista
RINGO STARR: Batería y pandereta

HER MAJESTY (Lennon/McCartney)

Her Majesty’s a pretty nice girl
but she doesn’t have a lot to say.
Her Majesty’s a pretty nice girl
but she changes from day to day.
I wanna tell her that I love her a lot,
but I gotta get a belly full of wine.
Her Majesty’s a pretty nice girl,
some day I’m gonna make her mine.
Oh yeah, some day I’m gonna make her mine.

SU MAJESTAD (Lennon/McCartney)

Su Majestad es una chiquilla muy agradable,
pero no tiene mucho que decir.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable,
pero cambia de día en día.
Quiero decirle que la quiero un montón,
pero tendría que llenarme la panza de vino.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable,
algún día la haré mía.
Oh, sí, algún día la haré mía.

Los oyentes de Abbey Road que adquirieron su disco en 1969 podían deducir con toda lógica que el disco había terminado tras escuchar The end. Ni en la contraportada de la carpeta ni en la galleta de la cara B del vinilo se citaban más canciones, y el mismo título del tema supuestamente conclusivo invitaba a pensar de esta manera. Pero no era así: cuando el fan de la época estaba esperando a que la aguja se despidiera del disco, varios segundos después del final de The end, se veía sorprendido con un tremendo acorde que daba entrada a Her Majesty, el tema más corto de toda la discografía de The Beatles. Era una broma pícara de McCartney, que el beatle interpretaba en solitario con el único acompañamiento de su guitarra acústica.

Composición

La brevísima Her Majesty (con solo veintitrés segundos es la grabación más corta jamás publicada por The Beatles) es una composición de Paul McCartney y, aunque los aires folk y el ritmo de music hall delatan al bajista como autor de la pieza, pocos habrían apostado a que una creación del beatle diplomático pudiera burlarse de una forma tan desfachatada de la mismísima monarca del Reino Unido. Su letra, irreverente e irónica, bien puede considerarse un anticipo de ataques más virulentos y menos compasivos contra Isabel II, del tipo de God save the Queen o The Queen is dead. Paul no llegó a llamar fascista al régimen de Su Majestad, como The Sex Pistols en 1977, ni a especular con la mejor manera de asegurarse su muerte, como The Smiths en 1986, pero puso en entredicho la inteligencia de la monarca de forma poco sutil y se atrevió incluso a declarar públicamente ciertas querencias sexuales hacia la soberana. Demostrando cierta osadía, The Beatles enviaron copias de Abbey Road al Palacio de Buckingham para que la soberana se deleitara con el dudoso homenaje. Muy poco después, el 25 de noviembre de 1969, la reina volvió a tener noticias de The Beatles: envuelta en papel higiénico y transportada por el chófer de John, llegó a palacio la medalla que distinguía a Lennon como MBE. Los antiguos chicos simpáticos se habían vuelto díscolos con los años. Aunque en el caso de Her Majesty, y siendo un tema de McCartney, lo hacían con moderación:

«Fue bastante divertido porque es básicamente monárquica, con un tono ligeramente irrespetuoso pero muy irónico. Es casi como una canción de amor a la reina» (Paul McCartney, 1997).

No era la primera mención a la reina de Inglaterra en la letra de una canción de The Beatles. La monarca ya había aparecido en Penny Lane, una canción en la que también era objeto secreto de deseo de uno de los personajes que la protagonizaban. Paul, recuérdese, había ganado un concurso escolar con diez años gracias a un ensayo en el que ensalzaba las virtudes de la recién coronada Isabel II:

Paul McCartney

Age: 10 years 10 months

Coronation Day

On the Coronation Day of William the Conquerer, senseless Saxon folk gathered round Westminster Abbey to cheer their Norman king as he walked down the aisle. The Normans thinking this was an insult turned upon the Saxons killing nearly all of them. But on the Coronation Day of our lovely, young queen, Queen Elizabeth II, no rioting, nor killing will take place because present day royalty rules with affection rather than force. The crowds outside Buckingham Palace will be greater than they have been for any other Coronation, so will the processional route to the Abbey. Preparations are going on all over the world, even in Australia people care preparing to take that long voyage to England. In London, children, for a Coronation treat, are being given a free seat roadside. For a quarter of a mile grandstands are being erected for the sake of these lucky children. But the London children are not the only lucky children, for youngsters in other parts of Britain are receiving mugs with a portrait of the Queen engraved on the china. Souveniers are being made ready for any tourists who come to see this marvellous spectacle. One of these being “The Coronation Loving Cup” which is designed to show both Queen Elizabeth the Second on the front and Queen Elizabeth the First on the back. Another is a goblet which is being made in Edinburgh and has a bubble enclosed in the stem, and in fancy letter, ER, is engraved on the glass. One alternation is that the diamonds, rubies, emeralds, and sapphires in the crown are being dismantled, polished, and replaced by expert jewellers. But after all this bother, many people will agree with me that it was well worth it.

Paul McCartney

Edad: 10 años 10 meses

Día de la Coronación

El Día de la Coronación de Guillermo el Conquistador, unos sajones insensatos se reunieron alrededor de la abadía de Westminster para aclamar a su rey normando mientras caminaba por el pasillo. Los normandos, pensando que aquello era un insulto, se volvieron contra los sajones matándolos a casi todos. Pero en el Día de la Coronación de nuestra encantadora y joven reina, la reina Isabel II, no habrá disturbios ni asesinatos porque la realeza actual gobierna con afecto y no por la fuerza. La afluencia de público ante el palacio de Buckingham será mayor que en cualquier otra coronación, y lo mismo ocurrirá con el recorrido de la procesión hasta la abadía. Los preparativos se suceden por todo el mundo, hasta en Australia la gente se prepara para emprender ese largo viaje a Inglaterra. En Londres, a los niños, como regalo de Coronación, se les está ofreciendo un asiento gratis al costado de la carretera. A lo largo de un cuarto de milla se están levantando tribunas en beneficio de estos afortunados niños. Pero los niños londinenses no son los únicos afortunados, ya que jóvenes de otras partes de Gran Bretaña están recibiendo tazas con un retrato de la reina grabado en la porcelana. Se están preparando recuerdos para los turistas que vengan a ver este maravilloso espectáculo. Uno de ellos es la “Copa de la Amistad de la Coronación”, diseñada para mostrar a la reina Isabel II en el anverso y a la reina Isabel I en el reverso. Otro es un cáliz que se está fabricando en Edimburgo y que tiene una burbuja inserta en el eje y que, en letra de fantasía, contiene grabado en el cristal ER [“Elizabeth reigns”]. Una novedad es que los diamantes, los rubíes, las esmeraldas y los zafiros de la corona están siendo desmontados, pulidos y sustituidos por expertos joyeros. Pero después de todas estas molestias, muchos estarán de acuerdo conmigo en que habrá merecido la pena.

Paul fue nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico junto al resto de los miembros de The Beatles el 26 de octubre de 1965, recibió el título de Sir el 11 de marzo de 1997 y desde el 4 de mayo de 2018 es Acompañante de Honor. Recibió todos estos nombramientos honoríficos de manos de la reina Isabel II. En su último encuentro, McCartney le dijo a la reina “tenemos que dejar de vernos así” e Isabel II le devolvió una discreta risita. El exbeatle reconoció públicamente su fervor por la monarca en su propia página web el 8 de septiembre de 2022, tras el fallecimiento de la soberana más longeva de la Historia. En 1991 había pintado un cuadro titulado “The Queen getting a joke”.

McCartney compuso Her Majesty en su granja escocesa en noviembre de 1968. El ritmo, la estructura y hasta la melodía de la pieza presenta obvias similitudes con la composición de Robert Johnson They’re red hot (Johnson). Esta pieza de la leyenda del blues apareció el 1 de junio de 1937 como cara B del single Come on in my kitchen (Vocalion 03563).

«Esa fue solo… No lo sé. Estaba en Escocia, y estaba escribiendo esta pequeña melodía. Nunca sé cómo salen las melodías. La escribí como una broma» (Paul McCartney, 1969).

«Estás sentado con una guitarra acústica, solo para divertirte, y entonces se te ocurre una pequeña idea, y a veces eso es suficiente para que termine siendo una canción “grande”. Her Majesty no era más que un pequeño fragmento, y no sabía qué hacer con él. Es irónica, trata a la reina como si fuera una chica simpática y no tuviera que preocuparse por el hecho de que se convertiría en la monarca que más tiempo ha reinado en el Reino Unido, o que era la reina de la nación. Es en plan pícaro. “Su majestad es una chiquilla muy agradable, pero no tiene mucho que decir”; y parece ser cierto. No dice gran cosa, solo el discurso anual de la reina en Navidad y la apertura del Parlamento» (Paul McCartney, 2021).

«Nuestra respuesta a God save the Queen» (Ringo Starr, 1969).

«Paul la cantó sabiendo que la reina la disfrutaría. Somos monárquicos» (Derek Taylor).

«No sé si la reina se pone alguna vez música de The Beatles. No creo que escuche mucha música pop» (un portavoz de la Casa Real).

Arreglos instrumentales y vocales

Entre el final de The end y el atronador comienzo de Her Majesty hay quince segundos de absoluto silencio. Así, el fan que escuchaba por primera vez Abbey Road se encontraba con una sorpresa no acreditada en la contraportada ni en la galleta del disco. Hoy, desaparecida la sorpresa, el CD sí incluye Her Majesty en la lista de las canciones impresa en la contraportada, pero muchos la consideran el primer ejemplo genuino de pista oculta… aunque, por supuesto, los propios Beatles ya habían colado el hoy conocido como ‘Sgt. Pepper inner groove’ en 1967 en Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Can you take me back? en 1968 en The Beatles.

¿Por qué una canción en el surco final del disco y por qué ese estridente principio para una pieza genuinamente acústica? ¿Por qué, además, el último acorde de la guitarra aparece bruscamente cortado? La explicación hay que buscarla en la sesión del 30 de julio de 1969. Aquel día se abordó una primera mezcla experimental del medley de la cara B de Abbey Road, igual en todo al finalmente publicado excepto en un detalle: Her Majesty, grabada el 2 de julio, aparecía entre Mean Mr. Mustard y Polythene Pam. El acorde final de Her Majesty había sido cercenado para crear el nexo entre este tema y Polythene Pam.

«Se la puse [a Paul] como a las dos o las tres de la mañana, muy tarde en todo caso. Dijo: “Está todo muy bien, pero saca ya Her Majesty; no funciona» (John Kurlander, 2015).

Kurlander, preocupado por hacer desaparecer parte del material de archivo de The Beatles, eliminó la canción del medley a base de puro tijeretazo, pero añadió su recorte de Her Majesty al final de la cinta en la que se conservó la mezcla experimental del medley, no en una cinta aparte destinada al archivo de mezclas provisionales. Dejó una nota destinada al encargado de masterizar la cinta y convertirla en discos de acetato para que los miembros de la banda pudieran estudiar con detalle los resultados de la mezcla provisional y tomar decisiones para el montaje definitivo. Le indicaba que Her Majesty no formaba parte del montaje final. Pero este ingeniero, de nombre Malcolm Davies, que trabajaba en el Apple Studio de The Beatles, no entendió que Kurlander le estaba advirtiendo de que Her Majesty era un descarte y masterizó la cinta completa. Al día siguiente, The Beatles se reunieron para escuchar todos juntos la mezcla provisional y, cuando creían que todo había terminado, Her Majesty surgió de la nada.

«Hicimos todas las mezclas y los encajes para encadenar las canciones, Paul estaba ahí, y lo escuchamos juntos por primera vez. Dijo: “No me gusta Her Majesty, tírala”, así que la corté… pero accidentalmente me dejé la última nota. Dijo: “Solo es una mezcla provisional, no importa”; en otras palabras, no te preocupes de hacer una edición limpia porque solo es una mezcla provisional. Le dije a Paul: “¿Qué debo hacer con ella?”. “Tírala”, replicó.
»Me habían dicho que nunca tirase nada, así que después de que se fuera la recogí del suelo, le puse unos veinte segundos de cinta por delante y la colé al final de la cinta de edición. Al día siguiente, abajo en Apple, Malcolm Davies cortó un acetato de escucha de toda la secuencia e, incluso aunque yo había escrito en la caja que Her Majesty no era requerida, él también pensó: “Bueno, no debo tirar nada, la pondré al final”. Solo es una suposición, pero cuando Paul se hizo con aquel acetato le debió gustar oír Her Majesty clavada al final. The Beatles siempre aprovechaban cosas accidentales. Aparecía como una sorpresita agradable ahí al final, y no le importó. Nunca remezclamos otra vez Her Majesty, aquella fue la mezcla que acabó en el LP terminado» (John Kurlander, 1988).

«[Malcolm Davies] no podía buscarme y preguntarme, así que siguió adelante y cortó el acetato. Recuerdo que los miembros de la banda se miraron unos a otros, luego me miraron a mí… y luego dijeron: “¡Sí!”. No fue más que un feliz accidente. A The Beatles les encantaban los accidentes felices» (John Kurlander, 2015).

De ahí su extraña ubicación en el disco, su sorprendente acorde inicial (en realidad, el último acorde de Mean Mr. Mustard) y su desaparecida nota final [que crea un sorprendente paralelismo con I want you (She’s so heavy), la canción que cierra la cara A de Abbey Road y que también acaba con un final abrupto]. The Beatles decidieron conservar la mezcla de Her Majesty sin alteraciones, y es por eso que escuchamos el final de Mean Mr. Mustard. También es el motivo de que la canción navegue de derecha a izquierda en el panelado del estéreo y de que el acorde final de la grabación original brille por su ausencia: la mezcla provisional del 30 de julio de 1969 se convirtió en la definitiva.

«Así ocurrían las cosas muchas veces. En realidad toda nuestra carrera fue así, de forma que es un final apropiado» (Paul McCartney, 1997).

«No estaba previsto publicarla en absoluto. Pero después de grabar los acetatos, Paul la escuchó y le gustó, así que se quedó. Una manera bastante extraña de terminar un disco de esta naturaleza, pero, como siempre, The Beatles hicieron que las cosas extrañas funcionaran» (Geoff Emerick, 2014).

«Nos gusta meter una broma o una sorpresa al final. Como al final de Pepper, esta es otra de ellas» (John Lennon, 1969).

«(…) no sabíamos dónde colocarla. Fue una casualidad que se colara al final de algo y pensamos: “Bueno, en realidad es una buena idea”. Sería una buena idea de última hora, una mirada irreverente a la monarquía por parte de un joven de veintimuchos años» (Paul McCartney, 2021).

La mezcla de Her Majesty preparada para el videojuego de ritmo The Beatles: Rock Band recupera el acorde final perdido de la canción. No todos los fans aplaudieron la decisión, que había sido aprobada por Apple. El juego original se había publicado el 9 de septiembre de 2009 y la descarga online de Abbey Road al completo, Her Majesty incluida, apareció en el mercado el 20 de octubre de 2009.

Grabación

Paul grabó Her Majesty sin más acompañamiento para su voz que el de su guitarra acústica punteada. El 2 de julio de 1969, y antes de que George y Ringo llegaran al estudio (John seguía hospitalizado), Paul registró de corrido tres tomas de la canción, todas completas, aunque la segunda se inició con un inicio abortado. La grabación se hizo en vivo, con la guitarra registrada en un canal (pista 1) y la voz en otro (pista 8). La tercera toma resultó elegida para ser publicada, con algo de reverberación añadida en la mezcla.

Her Majesty había sido compuesta semanas antes de las sesiones de grabación de Let it be, que tuvieron lugar en enero de 1969, y fue interpretada por McCartney en al menos en dos ocasiones: al piano en solitario en los Twickenham Film Studios el 9 de enero, y a la guitarra acústica el día 24 del mismo mes en el Apple Studio, con John acompañando con otra guitarra acústica, George con una slide y Ringo marcando un ritmo básico de batería. Paul cantaba una octava más alto que en la futura versión de estudio. En esta ocasión McCartney repitió hasta cinco veces la única estrofa de la canción. Quizá pensaba alargarla más adelante, pero nunca lo hizo.

«Solo tenía unos pocos versos, así que decidí que fuera así de larga. Nada más» (Paul McCartney, 1969).

Aquellas no fueron las primeras audiciones públicas de la canción: Paul ya le había presentado la pieza al periodista Tony Macarthur durante una entrevista que concedió el 20 de noviembre de 1968 para Radio Luxembourg, reproduciéndole una maqueta que tenía grabada en cinta (o quizá, como apunta John C. Winn, tocándosela en vivo con una guitarra acústica). La canción no se escuchó en las ondas: McCartney le regaló la audición al periodista mientras este revisaba los niveles de audio, no durante la entrevista formal.

Aunque la única sesión oficialmente dedicada al registro de Her Majesty es la del 2 de julio de 1969, y aunque Paul grabó la canción en solitario con su guitarra acústica, en la versión publicada en disco aparece también el acorde final de Mean Mr. Mustard, resultado de tres sesiones de grabación posteriores. Escuchamos pues a los cuatro miembros de la banda: George a la guitarra solista, John a la rítmica y al piano, Ringo a la batería y la pandereta y Paul sumando su bajo con efecto fuzz a la guitarra acústica con la que interpretó Her Majesty.

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el álbum Abbey Road (Apple PCS 7088/TA-PMC 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969).
2. Las tomas 1, 2 y 3 de estudio de Her Majesty, registradas el 2 de julio de 1969. Aparecieron, combinadas en un solo corte, en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) y en Abbey Road – 2 CD anniversary edition (Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019) con el título Her Majesty (Takes 1-3) en los formatos físicos y Her Majesty – Takes 1-3 en los digitales.
3. La grabación de estudio contenida en la primera mezcla del medley de nueve canciones que se preparó para su publicación en Abbey Road, sustituida más tarde por una segunda con algunas variantes y que eliminó Her Majesty. Se publicó finalmente en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) con el título The long one (Trial edit & mix – 30 July 1969) en los formatos físicos y The long one – Comprising of ‘You never give me your money’, ‘Sun King’/‘Mean Mr Mustard’, ‘Her Majesty’, ‘Polythene Pam’/‘She came in through the bathroom window’, ‘Golden slumbers’/‘Carry that weight’, ‘The end’ en los digitales.

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 30 de julio de 1969. El acorde inicial, proveniente de la grabación de Mean Mr. Mustard, se escucha a la derecha, y es en ese mismo lugar del panelado en el que aparece la grabación propiamente dicha de Her Majesty, pero a lo largo de los veintitrés segundos va desplazándose hacia el canal izquierdo. Era el canal en el que se escuchaba el primer acorde de Polythene Pam, la canción a la que precedía la que nos ocupa en el primer montaje que se hizo del medley de temas que aparece en la cara B de Abbey Road.

• Abbey Road, LP/cinta abierta, Apple PCS 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4)
• The Beatles box, 8 LPs/8 cassettes, Parlophone/World Records SM 701-708/C70, 3 de noviembre de 1980 (primera edición y reedición 1)

2. La mezcla monoaural, una reducción al mono de la variación 1.

• Abbey Road, cinta abierta, Apple TA-PMC 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en cinta abierta mono)

3. La remasterización de 1987, estereofónica y basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 5-11)

4. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 12-17)

5. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 4 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• Abbey Road, LP (reediciones 18-20)

6. La mezcla estéreo preparada por Giles Martin para el relanzamiento de Abbey Road en 2019.

• Abbey Road, LP (reediciones 21-24)
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3LPs/álbum digital, Apple/Universal Music 0602508007446/sin referencia, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – 2 CD anniversary edition, 2 CDs, Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

7. La mezcla estéreo de 2019 en sistema Dolby Atmos.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

8. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit DTS HD Master Audio 5.1.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

9. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit High Res Stereo.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

Repercusión social

El 30 de diciembre de 2015 la revista Vulture se tomó la molestia de identificar las diez canciones de The Beatles menos reproducidas por los fans en Spotify. Her Majesty, con sus apenas veintitrés segundos de duración, encabezaba el ranking, seguida por Matchbox, Bad boy, Slow down, The inner light, I call your name, Long tall Sally, I’ll get you, Thank you girl y Honey don’t.

Emisiones radiofónicas

• The lost Lennon tapes – 89-34 (Westwood One, Estados Unidos), 14 de agosto de 1989. El programa emitió la mezcla completa de Her Majesty, incluyendo el acorde perdido del final de la pieza.

Apariciones audiovisuales

Televisión

• The Beatles: Get back – Part 2: Days 8-16 (Disney+), estrenado el 26 de noviembre de 2021. Incluye una escena rodada el 24 de enero de 1969 en el Apple Studio en la que la banda ensaya la canción liderada por McCartney, que canta y toca la guitarra acústica. Lennon se hace cargo de otra acústica, Harrison de una guitarra slide y Starr añade un discreto arreglo de batería. Paul canta la canción en un tono muy alto, en falsete. Solo se escucha uno de los cinco ciclos que cantó de forma continuada.

Carreras en solitario

Paul McCartney

• En vivo: Concierto colectivo “Party at the Palace”, Londres (Reino Unido), 3 de junio de 2002. El concierto fue radiado y televisado.

Versiones relevantes

Uno no esperaría que un tema de apenas veintitrés segundos de duración hubiera sido objeto de versiones, pero, de forma totalmente inesperada, Her Majesty ha generado uno de los covers más interesantes y creativos nacidos al calor de la discografía de The Beatles. Los responsables de esta recreación del tema de McCartney fueron el colectivo anarco-punk inglés Chumbawamba, conocidos por el gran público gracias al éxito masivo de su canción Tubthumping (Chumbawamba), que escaló en 1997 hasta el número 2 británico y fue número 1 en Australia, Canadá, Escocia, Irlanda, Italia y Nueva Zelanda, además de coronar tres de las listas especializadas de Billboard (Adult Top 40, Mainstream Top 40 y Modern Rock Tracks).

El 31 de mayo de 2002 la formación, gratis y sin previo aviso, envió un CD single a todos los miembros de su lista de distribución residentes en el Reino Unido. Era un lanzamiento de Mutt Records que carecía de referencia y que contenía un único corte, Her Majesty, que la banda utilizó para criticar ácidamente a la monarquía británica con ocasión del Jubileo de Oro de Isabel II en el trono. La portada estaba ilustrada con un retrato de la monarca en el que aparecía con los ojos cosidos, pero lo verdaderamente interesante era lo que Chumbawamba se había atrevido a hacer con la canción de The Beatles: de repente, la composición contaba con tres estrofas más y con dos puentes completamente novedosos que le encajaban como un guante. La letra, reproducida en la contraportada del CD single, no tenía desperdicio, y contenía referencias a la letra de Piggies y a los Malvadillos Azules de Yellow submarine:

Her Majesty’s a pretty nice girl but she doesn’t have a lot to say
Her Majesty’s a pretty nice girl but she changes from day to day
I wanna tell her that I love her a lot but I’ve gotta get a bellyful of wine
Her Majesty’s a pretty nice girl someday I’m gonna make her mine
Oh yeah
Some day I’m gonna make her mine.

Her Majesty’s a pretty nice girl but she never does a thing for me
Her Majesty’s a pretty nice girl but she keeps the worst company
All the lords and the ladies-in-waiting all crawling in the dirt like swine
Her Majesty’s a pretty nice girl but I hope she’s the end of the line
Oh yeah
I hope she’s the end of the line

Her Majesty’s living in a land of curtsies
A world of blue-ish blood and Nazis

Her Majesty’s a pretty nice girl and I think she ought to call it a day
Her Majesty’s a pretty nice girl without one good reason to stay
I’d like to take her for a whisky or two but I’ve gotta lot of things to do
Her Majesty’s a throaway song just short of a chorus or two
Oh yeah
Short of a chorus or two…

A world of corgis and imbreeding
The royal corpse is barely breathing

Her Majesty’s a pretty nice girl with a circus for a family
Her Majesty’s a pretty nice girl but she’s stuck with the ‘royal we’
I’d like to show her round the center of town but I haven’t got a carpet for her feet
Her Majesty’s a pretty nice girl and she’s pretty much obsolete
Oh yeah
She’s pretty much obsolete

… esto es…

Su Majestad es una chiquilla muy agradable, pero no tiene mucho que decir.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable, pero cambia de día en día.
Quiero decirle que la quiero un montón, pero tendría que llenarme la panza de vino.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable, algún día la haré mía.
Oh, sí,
algún día la haré mía.

Su Majestad es una chiquilla muy agradable, pero nunca hace nada por mí.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable, pero se relaciona con las peores compañías,
todos los lores y las damas de honor, revolcándose en las heces como puercos.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable, pero espero que sea la última de su estirpe.
Oh, sí,
espero que sea la última de su estirpe.

Su Majestad vive en un país de reverencias.
Un mundo de sangrecillas azules y nazis.

Su Majestad es una chiquilla muy agradable y creo que debería darle carpetazo al asunto.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable sin una sola razón para quedarse.
Me gustaría sacarla a tomar un whisky o dos, pero tengo un montón de cosas que hacer.
Su Majestad es una canción de desecho a la que le faltan un estribillo o dos.
Oh, sí,
le faltan un estribillo o dos…

Un mundo de corgis y de cruces.
El cadáver real apenas respira.

Su Majestad es una chiquilla muy agradable con una familia de circo.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable, pero está atrapada en el “nos” real.
Me gustaría pasearla por el centro de la ciudad, pero no tengo una alformbra para sus pies.
Su Majestad es una chiquilla muy agradable y resulta bastante obsoleta.
Oh, sí,
resulta bastante obsoleta.

[La siguiente entrada, Something/Come togehter (single), es sobre un disco que no contiene material inédito. Se publicará «fuera de programa» el 23 de mayo. El 6 de junio, siguiendo el ritmo habitual, aparecerá No one’s gonna change our world (LP) [VV.AA.].]